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“TRAGEDIA, XENOFOBIA Y VERGÜENZA PARA EL PERIODISMO EN HUNGRÍA”

Zancadillas y golpes a refugiados sirios

Fuente  El Mostrador

Cerca de la frontera con Serbia, un grupo de refugiados huye de la policía húngara de Roeszke. Las personas que escapaban de los agentes trataban de evitar ser detenidas y enviadas a ese campo, donde se hacinan centenares de personas.

Ante la presencia de varias cámaras y periodistas, los refugiados corren a través del campo cargando con lo que tienen. Un hombre, con un niño en brazos, logra zafarse de un policía pero, al cruzarse con una reportera, ésta le pone la pierna y le hace una zancadilla, haciéndole caer al suelo con el crío.

El momento ha sido captado y subido a Twitter por el periodista Stephan Richter.

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Palabras a Mariana

Por Germán Piniella

Fuente Segunda cita

Ayer, 7 de septiembre, a las 7 pm., murió Mariana Rivas. Durante casi cincuenta años, hasta el momento de su muerte, fue parte de mi vida desde que, siendo ella una joven de 18 años, coincidimos una tarde en el Departamento de Filosofía de la Universidad de La Habana. Aquello fue solo un encuentro fortuito al que no le di importancia, hasta que ella me lo recordó, mucho tiempo después. A partir de ahí, la amistad siguió su curso y, a través de mí, Mariana fue amiga de muchos de mis seres queridos –mi esposa, mis hijas, otros amigos cercanos, hasta de dos de mis nietos. No fue famosa más allá de sus amistades, sus colegas de trabajo y el ambiente inicial de la Nueva Trova. Porque Mariana presenció las primeras canciones, las primeras actuaciones (y las segundas y las terceras…) y tuvo a trovadores como sus primeros amores. Casada con Vicente Feliú y luego con Noel Nicola, Mariana fue más tarde un archivo viviente a quien se podía acudir para recordar un texto o cuándo se había compuesto o estrenado aquella canción. Entre muchas otras cosas que hizo en su vida, dirigió en la emisora Radio Habana Cuba un programa con la trova como tema central y en él desplegó todo su conocimiento de la música y la biografía de los trovadores. Sin saber de ella, pero gracias a Mariana, muchos seguidores de la trova en Latinoamérica y otros países adonde llegaba la señal deben haber oído (por primera o por enésima vez) algunas de las canciones fundamentales.

Germán Piniella, Mariana Rivas, Joel Suárez, yo, German Pinelli, Johnny Wildford

Mariana era talentosa, inteligente y culta. Como no es habitual, eso no la hacía ser pedante, en parte quizás por su cercanía a los grandes y a su extraordinario sentido del humor que la hacía reírse de sí misma y de algunos almidonados personajes. No fue hermosa, en el sentido superficial de la palabra; tuvo defectos, como todos; tuvo virtudes, como casi todos, y soportó su enfermedad con una entereza y actitud de burla como no sé si yo podría hacer de estar en su lugar. Sobrevivió al mieloma múltiple más allá de los pronósticos médicos, y durante casi ocho años, a plena conciencia de la muerte, viviendo a plenitud, esperó (esperamos) el momento en que esa hija de puta vendría a llevársela. Y como para hacer patente su capacidad de hacer reír y su habitual irreverencia, cuando la contradecía alguien de su gente más cercana y que compartía su visión del humor, no importa de qué color, bromeaba: “No me jodas, que la que tiene cáncer soy yo”. O si alguno de nosotros le reprochaba su hábito de fumar y el incesante café decía: “El cáncer ya lo tengo; lo que no tengo es interés en morirme más sana”. Y en esto no había morbo ni cinismo ni autocompasión (solo lo decía ante unos pocos, los más cercanos, nunca ante extraños), sino una manera de retar a la muerte alguien que vivió la vida con toda intensidad. Y ese sentido del humor, que compartía con Noel Nicola, hizo que los dos me buscaran un día para introducirme a Les Luthiers en aquel primer disco inolvidable que disfrutábamos y citábamos una y otra vez, desde que lo oí con ellos en su mínimo cuarto-estudio-lugar-de-amor de la calle San Nicolás. Seguir leyendo Palabras a Mariana

La política es la continuación de la guerra por otros medios

Dra. Graziella Pogolotti

Fotos, para esta edición: Claudia González Machado

Fuente Juventud Rebelde

Ojos. Foto de Claudia González Machado
Ojos. Foto de Claudia González Machado

5 de Septiembre del 2015 De la guerra, obra de Carl von Clausewitz fue un clásico de la estrategia militar muy consultado por los estudiosos de la politología desde el siglo XIX hasta bien avanzado el XX. Por ese motivo, las ciencias políticas se apropiaron del vocabulario de los ejércitos para extender a ese campo el empleo de algunos términos, como el muy recurrente de vanguardia. Su definición de la guerra como continuación de la política se convirtió en lugar común.

En verdad, los conflictos bélicos convencionales no han cesado, aunque el armamento resulte cada vez más maléfico. Los gases tóxicos utilizados en la I Guerra Mundial produjeron víctimas a mediano plazo. El napalm y las bombas atómicas dejaron un rastro de muerte y enfermedad en quienes todavía no habían nacido. La política fue elaborando formas de preparación artillera en el plano nacional y en el internacional, a través de los medios de comunicación cada vez más sofisticados. Hearst, el gran magnate de la prensa amarilla norteamericana, demostró la efectividad de las fórmulas dirigidas a crear estados de opinión con recursos todavía algo primitivos. Contribuyó a crear las condiciones favorables para la intervención de Estados Unidos en la guerra de Cuba.

A la espera. Foto de Claudia González Machado
A la espera. Foto de Claudia González Machado

Lo que llamamos civilización avanza a pasos galopantes. La variedad de medios disponibles en la actualidad interviene más profundamente en la formación de mentalidades y valores.

La manipulación sistemática ha fracturado los cimientos de la democracia burguesa, al cabo de un brevísimo proceso histórico. El derecho universal al voto tardó decenios en imponerse a ritmo desigual, según la historia de cada país. Reservado primero a los contribuyentes de impuestos, luego a los alfabetizados, las mujeres y los negros tuvieron que librar batalla para lograr esa conquista. En el comienzo, los partidos políticos tenían identidad reconocible en su programa.

Durante la Guerra de Secesión en los Estados Unidos, los republicanos representaron al norte de Lincoln, y los demócratas, al sur esclavista. La Tercera República Francesa conoció un amplio espectro, con radical-socialistas, socialistas y comunistas.

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EL INOCENTE Y LA MUERTE

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El niño sirio Aylan Kurdi apenas tenía tres años cuando su familia, desesperada, se propuso escapar de la guerra que asola a su país. Murió ahogado en el intento.

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Duele tanto ver estas imágenes — el universo inocente de Aylan, su pequeño cuerpo sobre la arena–, que huelgan las palabras.

Hagámoslo todo para salvar al mundo. Ya murió la inocencia.

Fotos: Nilufer Demir y del álbum familiar

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Fotografía facilitada por Tima Kurdi muestra a los hermanos sirios Alan (izquierda) y Galib Kurdi. El cadáver de Alan Kurdi, de tres años, fue hallado en una playa de Turquía después de que el bote inflable en el que viajaban él y su familia se hundió durante un intento desesperado de llegar de Turquía a Grecia. (Fotografía cortesía de Tima Kurdi/The Canadian Press vía AP) CREDITO OBLIGATORIO
Fotografía facilitada por Tima Kurdi muestra a los hermanos sirios Alan (izquierda) y Galib Kurdi. El cadáver de Alan Kurdi, de tres años, fue hallado en una playa de Turquía después de que el bote inflable en el que viajaban él y su familia se hundió durante un intento desesperado de llegar de Turquía a Grecia. (Fotografía cortesía de Tima Kurdi/The Canadian Press vía AP) CREDITO OBLIGATORIO

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Un ascensor eléctrico por encima de las nubes

Fuente Juventud Rebelde

El principal cometido de la compañía espacial Thoth Technology Inc. Es transportar a los tripulantes hasta una plataforma desde la que pueden despegar naves espaciales, en una órbita baja terrestre. Foto: ABC
El principal cometido de la compañía espacial Thoth Technology Inc. Es transportar a los tripulantes hasta una plataforma desde la que pueden despegar naves espaciales, en una órbita baja terrestre. Foto: ABC

No pocos quisiéramos visitar alguna vez el Burj Khalifa, en Dubái, considerado el edificio más alto del mundo con 830 metros. Los más osados incluso sueñan con escalar los casi 9 000 metros del Monte Everest, la mayor elevación de la Tierra. Pero imagine por un instante llegar a la estratosfera, a 20 kilómetros de altura, sin haber empleado esfuerzo alguno.

Esa es la meta de la compañía espacial canadiense Thoth Technology Inc., que recientemente patentó la creación de un ascensor de 19 955 metros, que en el futuro serviría para lanzar de forma económica vehículos al espacio.

En otras palabras, su cometido es transportar a los tripulantes hasta una plataforma desde la que pueden despegar naves espaciales, en una órbita baja terrestre.

Pero funcionaría también como un generador de energía eólica, una torre de comunicaciones y una atracción turística.

Comparación entre la torre de la compañía espacial canadiense Thoth technology Inc. , el Burj Khalifa, considerado el edificio más alto del mundo; y el Monte Everest, la mayor elevación de la Tierra. Foto: www.24horas.cl
Comparación entre la torre de la compañía espacial canadiense Thoth technology Inc. , el Burj Khalifa, considerado el edificio más alto del mundo; y el Monte Everest, la mayor elevación de la Tierra. Foto: http://www.24horas.cl

Anatomía de la torre

Según señaló la compañía en su página web, se trata de una torre flexible que es estabilizada a través de turbinas. La base del ascensor es «una torre presurizada de forma neumática y guiada de forma activa sobre su base, con giroscopios para compensar la presión del viento y contratiempos climatológicos como huracanes».

La torre estaría construida con materiales compuestos como polietileno, uno de los polímeros más utilizados hoy en día, y Kevlar. Esa estructura estaría presurizada con gas, lo que crearía una estructura rígida capaz de sostener objetos de gran peso, señala la publicación.

El Doctor Brendan Quine, director técnico de Thoth Technology y profesor asociado de Ingeniería Espacial de la Universidad de York, Canadá, declaró al periódico Toronto Star que la compañía está intentando captar el interés del magnate inmobiliario de Dubái Mohamed Alabbar, para construir la torre. No es para menos, teniendo en cuenta que el proyecto tiene un coste de entre 5 000 y 10 000 millones de dólares.

Para completar una torre de demostración, se invertirían entre tres y cinco años. Construir la torre a escala real requiere otros tres años extras.

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TRES TESTIMONIOS TRÁGICOS, AUNQUE NO PRECISAMENTE TRISTES

Sobre la importancia de afrontar la muerte con la vida

Por OLIVER SACKS, DAVID HUME Y ADAM SMITH, y la traducción y los comentarios del Prof. Danubio Torres Fierro, en el caso de los textos de los dos últimos 

De mi propia vida

Oliver Sacks

Oliver Sacks
Oliver Sacks

Hace un mes me encontraba bien de salud, incluso francamente bien. A mis 81 años, seguía nadando un kilómetro y medio cada día. Pero mi suerte tenía un límite: poco después me enteré de que tengo metástasis múltiples en el hígado. Hace nueve años me descubrieron en el ojo un tumor poco frecuente, un melanoma ocular. Aunque la radiación y el tratamiento de láser a los que me sometí para eliminarlo acabaron por dejarme ciego de ese ojo, es muy raro que ese tipo de tumor se reproduzca. Pues bien, yo pertenezco al desafortunado 2%.

Doy gracias por haber disfrutado de nueve años de buena salud y productividad desde el diagnóstico inicial, pero ha llegado el momento de enfrentarme de cerca a la muerte. Las metástasis ocupan un tercio de mi hígado, y, aunque se puede retrasar su avance, son un tipo de cáncer que no puede detenerse. De modo que debo decidir cómo vivir los meses que me quedan. Tengo que vivirlos de la manera más rica, intensa y productiva que pueda. Me sirven de estímulo las palabras de uno de mis filósofos favoritos, David Hume, que, al saber que estaba mortalmente enfermo, a los 65 años, escribió una breve autobiografía, en un solo día de abril de 1776. La tituló De mi propia vida.

“Imagino un rápido deterioro”, escribió. “Mi trastorno me ha producido muy poco dolor; y, lo que es aún más raro, a pesar de mi gran empeoramiento, mi ánimo no ha decaído ni por un instante. Poseo la misma pasión de siempre por el estudio y gozo igual de la compañía de otros”.

He tenido la inmensa suerte de vivir más allá de los 80 años, y esos 15 años más que los que vivió Hume han sido tan ricos en el trabajo como en el amor. En ese tiempo he publicado cinco libros y he terminado una autobiografía (bastante más larga que las breves páginas de Hume) que se publicará esta primavera; y tengo unos cuantos libros más casi terminados.

Hume continuaba: “Soy… un hombre de temperamento dócil, de genio controlado, de carácter abierto, sociable y alegre, capaz de sentir afecto pero poco dado al odio, y de gran moderación en todas mis pasiones”.

No puedo fingir que no tengo miedo. He amado y he sido amado

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Katrina

Por David Brooks

Fuente La Jornada

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La música se interrumpió cuando un huracán Katrina destapó el secreto abierto de Estados Unidos al azotar la costa del Golfo, la zona más pobre del país, y matar entre mil y dos mil personas, desplazar a un millón más e inundar 80 por ciento de la ciudad de Nuevo Orleáns hace justo 10 años.

El presidente Barack Obama marcó el aniversario con una visita a Nueva Orleáns el jueves, seguido por visitas de otras figuras distinguidas como el ex presidente Bill Clinton, el sábado (el día preciso del aniversario), y, al parecer sin ninguna vergüenza, el presidente George W. Bush, acusado de dejar que se ahogara el pueblo (aún no es muy bienvenido por los sectores más dañados por su falta de manejo en aquella emergencia).

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Las grandes figuras oficiales elogiaron la resiliencia (palabra oficial del día) de Nueva Orleáns, celebraron su recuperación, recordaron las imágenes de desesperación y brindaron por su futuro. Pero toda esta retórica está llena de farsas, engaños y formulaciones tramposas, y los actos oficiales han convertido todo esto en un espectáculo para las cámaras y muchos de los que sobrevivieron a Katrina lo saben y lo dicen, porque vivieron y viven otra realidad.

Las figuras tan distinguidas no hablaron de que unos 100 mil residentes siguen ausentes (la población antes de la tormenta era de unos 600 mil), los que nunca regresaron porque no son bienvenidos por la nueva Nueva Orleáns, donde la vivienda pública no fue reconstruida para gente como ellos. De hecho, es el caso de la famosa colonia afroestadunidense más afectada, conocida como el Lower Ninth, con decenas de casas abandonadas y con sólo 36 por ciento de su población previa a Katrina; muchos concluyen que los intereses del poder preferían que esa población jamás regresara a su colonia.

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Tampoco mencionaron cómo se clausuró para siempre el principal hospital público que brindaba servicios para los más olvidados y necesitados, ni la falta de empleo para los más pobres en la nueva ciudad, ni cómo se usó la tormenta como pretexto para desmantelar el sistema de educación pública y sustituirlo por escuelas chárter que son públicamente financiadas pero administradas de manera privada, el modelo preferido por los llamados reformadores de la educación, curiosamente apoyados por fondos buitres y multimillonarios como Bill Gates. Y casi nadie habló de la corrupción endémica antes de la tormenta, ni la que se nutrió con la reconstrucción de la ciudad, ni sobre quién lucró con todo este desastre.

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Ese 29 de agosto de 2005 y los días posteriores la tormenta dejó claro que decenas de miles de estadunidenses, si son afroestadunidenses y/o pobres, valían y valen poco o nada para los encargados de este país. Todos saben que si hubieran sido multimillonarios en colonias de lujo –y blancos– la respuesta hubiera sido diferente.

Este fin de semana, en las celebraciones y actos se manifestó todo esto, pero fuera del guión oficial se recordó que, sí, fue un desastre natural, pero también un desastre causado por la avaricia, el cinismo, la corrupción y por una imperdonable irresponsabilidad de la cúpula política y económica de este país.

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Vale recordar que el desastre natural ya se había pronosticado años atrás nada menos que por el Cuerpo de Ingenieros del Ejército, así como por expertos. Todos sabían que se habían destruido las barreras naturales por el desarrollo de terrenos y el mal manejo de un ecosistema frágil, pero perfecto para enfrentar tormentas de este tipo. Todos sabían que la infraestructura para evitar una inundación de una ciudad que, como Holanda, está en gran parte bajo el nivel del mar, ya estaba deteriorada. Y todos sabían que era posible una tormenta de las características y comportamiento de Katrina. Los responsables de hacer algo al respecto, sobre todo la clase política local, estatal y federal, así como los intereses económicos que determinan en gran medida lo que se llama el desarrollo en este país, no hicieron nada.

El resultado fue lo que ahora se considera el desastre natural más costoso en la historia del país. Pero también es el mayor desastre no natural en la historia del país, que para siempre ofrecerá las imágenes del tercer (más bien, cuarto) mundo que existe dentro del país más rico del mundo. (No hay nada mejor para captar todo esto que una de las series dramáticas de televisión más inteligentes jamás creadas, Treme, del gran ex periodista David Simon, fundamental no sólo para entender a fondo la Nueva Orleáns posterior a Katrina, sino Estados Unidos hoy día).

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Como escriben Melissa Harris-Perry y James Perry en The Nation, hace una década el pueblo de Nueva Orleáns se enfrentó, dramática e intensamente, con muchos de los temas económicos, políticos, sociales y raciales que han venido a definir nuestra realidad nacional esta década: circunstancias educativas impredecibles, vivienda devastada, oportunidades económicas severamente limitadas, actos de violencia policiaca y un sistema de injusticia criminal.

El huracán interrumpió la música en Nueva Orleáns, esencia de esa cuna de cultura estadunidense, que surge de los descendientes de esclavos africanos, franceses pobres de una vieja colonia llamada Luisiana (por el rey Luis de Francia), de culturas indígenas estadunidenses, y las corrientes de todo el Caribe. Pero no la logró callar.

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El sábado el aniversario se festejó con música y baile, con desfiles al ritmo de lo que llaman los second line, las famosas bandas de vientos, así como se suele hacer en Nueva Orleáns tanto para funerales como para el carnaval, para celebrar todo lo que es parte de la vida, pues. Como comentó un residente, nos juntamos para celebrar una tragedia.

Fueron los miles de actos anónimos de solidaridad, y no la respuesta oficial, lo que rescató –y sigue rescatando– a Nueva Orleáns y sus alrededores (en ese sentido, Katrina es algo parecido al terremoto en México en 1985). La música de Nueva Orleáns es la ruta sonora de esa solidaridad. Ese es su regalo al mundo.

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Efectos del cambio climático: Osa polar se muere de hambre

osa-polar-famélicaLa fotógrafa especializada en especies árticas Kerstin Langenberger ha compartido una foto en Facebook absolutamente descorazonadora. Es la estampa de un ejemplar de oso polar hembra extremadamente delgado. La imagen, tomada en Noruega y viralizada de inmediato, se ha convertido en un icono de los daños del cambio climático en el planeta.

Kerstin Langenberger ha señalado que pese a que los expertos del archipiélago de Svalbard dicen que la población de osos es estable, lo cierto es que el calentamiento global se está sintiendo en gran magnitud en el Ártico.

Langenberger ha advertido del riesgo que corre esta especie y cientos más debido al calentamiento global. Con el deshielo, hay menos alimento, y así acaban los animales, hambrientos.

La impactante fotografía está acompañada de un mensaje, “Sí, he visto osos en buen estado, pero también he visto especies muertas o desnutridas, Osos que caminan en las orillas buscando comida, tratando de cazar alces, comiendo huevos de aves, musgo y algas, me doy cuenta que los osos gordos son casi siempre machos”, escribió la fotógrafa en su muro.

Todo un alegato para cuidar el planeta.

(Con información de Huffintong Post)

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Fuente Cubadebate

Palabras de Abel Prieto Jiménez en la clausura de la Conferencia Internacional Nuevos Escenarios de la Comunicación Política en el Ámbito Digital, realizada en La Habana del 5 al 7 de junio de 2015.

He preparado algunas notas para leer y comentar aquí; no con el propósito de hacer ningún tipo de conclusión sobre los temas específicos tratados en el evento, sino para describir, primero, a grandes rasgos, el entorno cultural realmente inédito, estremecedor, en que se está produciendo este debate y compartir luego con ustedes algunas apreciaciones sobre el papel de las TIC en la coyuntura actual. Y es que (como me decía un amigo aquí presente el viernes por la tarde, cuando muchos delegados hacían énfasis en la necesidad de generar contenidos), el problema sobre el que hemos estado reflexionando es también en última instancia cultural.

Abel Prieto

1) La crisis cultural global

-Habría que empezar diciendo que vivimos en medio de una crisis cultural gravísima, la más grave y devastadora de que se tenga memoria. Los paradigmas de la tradición cultural humanista están en franco retroceso frente a la avalancha irresistible de una industria del entretenimiento que no reconoce jerarquías, que ha reducido el arte definitivamente a la condición de la mercancía más vulgar, que expulsó de los altares a los llamados clásicos, que lo mezcla todo, sin orden ni concierto, aquello que puede ser artísticamente valioso con la cultura-chatarra, con fetiches vacíos, con símbolos de la mayor estupidez y frivolidad, y que va más allá en su afán caótico y mezcla realidad y ficción, historia y leyenda, y crea vertiginosamente nuevos mitos y recicla otros, en el torbellino de un espectáculo permanente concebido solo para vender y divertir.

-Con todos estos componentes se pretende formar una criatura rendida ante la tecnología (idealizada más allá de sus funciones y de todo sentido ético) y los fetiches de la industria del entretenimiento; una criatura sin raíces, sin memoria, desamparada frente a la manipulación, egoísta hasta el delirio, sometida, colonizada, incapaz de luchar por su emancipación, que sabe muy bien, siempre, en todo momento, quiénes son los “malos” y quiénes los “buenos” en las guerras virtuales y en las reales; una criatura indefensa ante la arremetida publicitaria, cuyo destino e identidad dependen de su condición de consumidora potencial.

-Todo esto tiene que ver con la llamada globalización, ese fenómeno que Frei Betto ha rebautizado con razón “globocolonización”.

-Alessandro Baricco ha calificado (en Los bárbaros) las experiencias intelectuales del presente como un “surfeo” sobre las olas, siempre en la superficie. Aunque no concuerdo con la benevolencia post-moderna de Baricco, creo que esta idea de “surfear” sintetiza muy bien la superficialidad que propone el proyecto  “educativo” del sistema, extraño por esencia al más mínimo afán de rigor y profundidad. Superficialidad, modas, marcas, frivolidad, “surfeo”, en este ámbito deben formarse nuestros jóvenes. En términos de información, el “surfeo” se puede traducir en quedarse, en el mejor de los casos, con los titulares de las noticias, con cápsulas muy simplificadas de los procesos históricos, sociales y culturales, con estereotipos de pueblos, naciones, razas, que nutren forzosamente el desprecio al “otro”. Hay un segundo mensaje central en el proyecto del sistema que es también comentado por Baricco: la impresión de que vivimos un eterno  presente; la subvaloración de la historia y la consiguiente amnesia o (en todo caso) una utilización libérrima, fuera de contexto, de “fragmentos” del pasado.

-El entretenimiento ha sido colocado en un trono incuestionable. Es el rey supremo. El valor principal. Sólo él le otorga significado a la producción cultural hegemónica. Se trata además de un entretenimiento amoral, insulso, asociado a la trivialidad más absoluta, al rechazo del más mínimo ejercicio intelectual, al vouyerismo implícito enlos realitys shows y en las distintas plataformas donde se cuentan chismes de “famosos”.Para colmo, se han ido agotando las reservas de historias más o menos divertidas, y la industria se ve obligada a acudir una y otra vez a remakes, a fábulas ya contadas, a personajes de antiguos cómics.

-El entretenimiento ha llegado a dominar incluso el mundo de la información, que está obligada a presentarse de manera “divertida”. Hasta un escritor tan reaccionario como Vargas Llosa, un “intelectual orgánico” del sistema, habla en su libro La civilización del espectáculo de que la profusión de información ha derivado en convertir al entretenimiento y a la diversión en los valores más altos de nuestra época, ocasionando “un trastorno recóndito de las prioridades: las noticias pasan a ser importantes o secundarias sobre todo, y a veces exclusivamente, no tanto por su significación económica, política, cultural y social como por su carácter novedoso, sorprendente, insólito, escandaloso y espectacular” (p. 54). Se está produciendo incluso un tipo de censura por sobresaturación, de modo que un hecho de importancia pierde visibilidad al sumergirse en un torrente de noticias y detalles accesorios.

-El capitalismo, como sabemos, propició momentos de un portentoso esplendor cultural, desde el Renacimiento hasta las vanguardias de la primera mitad del siglo XX, pasando por la Ilustración, los románticos, la gran narrativa realista, la poesía de los llamados “decadentes” y la pintura deslumbrante de aquellos que al decir de Martí quisieron vencer al sol. (No sé si esto suena demasiado “nostálgico”.) Esta acumulación literaria y artística admirable, tan diversa en estilos y expresiones, tenía un componente común: su humanismo. El ser humano, con todos sus demonios y ángeles, con sus deseos más oscuros, con sus esperanzas más hermosas e iluminadas, estaba ahí, en el centro de las búsquedas de los creadores y en el centro de la batalla íntima del público por hacer suyo aquel caudal que lo enriquecía y podía marcar su vida.

-Ese arte y esa literatura de extraordinaria calidad estuvieron siempre acompañados con más o menos suerte por “chatarra” kitsch.  Recuerdo que Hauser decía que con el pintor Greuze en el siglo XVIII se había inaugurado en cierto modo el kitsch.

-No olvidemos que, al margen de un Balzac, un Stendahl, un Flaubert, Eugenio de Sue estaba publicando en los periódicos los capítulos de sus novelas con un éxito colosal. Dublinenses de Joyce se publicó en 1914, el mismo año en que naceTarzán de los monos, el libro inicial de la interminable serie de best sellers de Edgar Rice Burroughs. Las 4 mil novelas de Corín Tellado, que llegaron a vender 400 millones de ejemplares, acompañaron durante décadas a muchas obras capitales del siglo XX. Sin embargo, de alguna manera, lo kitsch y la creación auténtica vivían en ámbitos separados.

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Cuba es humanidad

Por Pablo González Casanova

Fuente ALAI
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Entre los muchos problemas que enfrentamos a nivel mundial se encuentra el fin del cruel bloqueo de Cuba por Estados Unidos –un bloqueo que duró más de cincuenta años-. La reanudación de relaciones diplomáticas, familiares, turísticas, comerciales, culturales y financieras entre ambos países nos provoca una mezcla de júbilo por el cese de la agresiva medida y una natural preocupación sobre la mejor forma de seguir construyendo y luchando por la libertad, el socialismo y la emancipación.

Los avances de Cuba durante estos cincuenta años son por todo el mundo reconocidos. En medio del cerco y los incesantes asedios del imperio, la pequeña Isla del Caribe logró uno de los primeros lugares en la lucha contra la desigualdad y por la seguridad social; alcanzó los más altos índices de alfabetización y escolaridad, realizó la más profunda reforma agraria y dio uno de los más fuertes apoyos económicos y técnicos a los agricultores y trabajadores del campo; consiguió una reducción óptima del desempleo; redujo la criminalidad de delitos del orden común y dio un grado de seguridad interna a sus habitantes, poco común en otros países; alcanzó altos niveles en la educación universitaria así como en la preparación de técnicos, ingenieros, médicos y otros profesionales; impulsó las artes y las ciencias y realizó numerosos descubrimientos científicos reconocidos a nivel internacional, sobre todo en el terreno biológico y en la medicina. Música, ballet, teatro, cine y otras bellas artes, así como innumerables deportes, merecieron un fuerte impulso del Estado.

Pero si todos esos logros son innegables y realmente impresionantes, desde el punto de vista de la emancipación humana, para muchos no son de creer.

Hoy, en Cuba vive un pueblo cuya conciencia se ha convertido en voluntad, su voluntad en inteligencia y su inteligencia en organización. Y si semejante afirmación parece exagerada piénsese por qué Cuba, no sólo ha logrado resistir durante más de medio siglo el bloqueo y las numerosas agresiones de que ha sido objeto, sino en este año de 2015 en que todos los países del mundo son capitalistas, y en que ya todos los que fueron o se dijeron socialistas han restaurado abierta y hasta agresivamente el capitalismo, Cuba es el único que sobrevive en medio de esa tragedia humana. Y es que la Revolución Cubana, lejos de ser la última marxista-leninista (ya debemos acostumbrarnos) es la primera de un nuevo tipo de revoluciones que inició el “26 de Julio”. En ella, no fue sólo un decir que José Martí es el autor intelectual de la Revolución Cubana; es el impulsor histórico de la actual moral de lucha y cooperación, y de coherencia impresionante entre lo que se dice y se hace.
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La pasión de Glauber Rocha

En ocasión de cumplirse 24 años de la muerte del cineasta brasileño Glauber Rocha (1939-1981), el periodista argentino José Steinsleger, escribió esta memorable  crónica.

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Glauber Rocha

 

La pasión de Glauber Rocha

José Steinsleger*

RED VOLTAIRE, 9 DE SEPTIEMBRE DE 2005

Nacido en Vitória da Conquista (Bahía, 1939) y muerto en Río de Janeiro por exceso de creatividad, el funeral del cineasta Glauber Rocha fue propio de un guión suyo: aquel acto espontáneo y catártico de masas, que el 22 de agosto de 1981 puso a cantar y a bailar, en el céntrico parque Lage, a millares de brasileños poseídos de tristeza y alegría.

Nada distinto (aunque más espectacular), que la filmación del velorio del pintor Emiliano Di Cavalcanti (1897-1976) en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, que Glauber narró como si se tratase de un partido de futbol y con música de carnaval: «¡Soy protestante y no lloro ante la muerte!», gritó a los medios mientras la policía se lo llevaba detenido.

Como Brasil es un país donde algunos muertos viven, el famoso pintor de mulatas gozó con el escándalo. En el legendario Diario Carioca, Di Cavalcanti había escrito: «Vivimos en una época de combate, en una época de lucha, y todo hombre actual debe enfrentar los antagonismos» Y con el bolchevique Bogdanov, remataba: «Donde no hay imágenes vivas no hay arte ni poesía (15 de octubre de 1933)».

Glauber Rocha fue hijo de Di Cavalcanti. Aunque con precisión su espíritu sintonizaba mejor con el Manifiesto antropófago (1926), del poeta Oswald de Andrade, uno de cuyos puntos decía: «Le pregunté a un hombre lo que era el derecho. Me respondió que era la garantía del ejercicio de la posibilidad. Ese hombre se llamaba José de Galimatías. Me lo comí».

Niño aún (13 años), Glauber participó como crítico de cine en un programa infantil de radio. A los 15 frecuentaba un cine-club, a los 17 realizó el cortometraje El Patio y fundó una productora de cine, y en los periódicos de Bahía escribió crónicas policiales y de cultura.

En Sao Paulo, Glauber conoció a los fundadores del Cinema Novo, asistiendo a la proyección y debate de obras emblemáticas del neorrealismo italiano: Ladrón de bicicletas, Rocco y sus hermanos, La Strada, Mamma Roma. Realizados con recursos precarios, actores no necesariamente profesionales, y descarnados testimonios de la clase obrera italiana de la posguerra, aquellos filmes marcaron el norte de su creación: no una escuela estética, no un partido político. Sí un cine nacional que deje para siempre el neocolonialismo cinematográfico que condena repetir las fórmulas y hallazgos de otros.

Del neorrealismo de Barravento (1962), con actores no profesionales y pescadores de Bahía, hasta la poesía barroca de Tierra en trance (1967), el cine de Glauber Rocha empleó un lenguaje preciso, despojado de adjetivos inútiles e insustanciales.

Escribía o declaraba Glauber: «El cine no será una máscara porque el cine no hace la revolución; el cine es uno de los instrumentos revolucionarios. La colonización amenaza continuar incluso después de la revolución. La Fox, la Paramount, la Metro son nuestros enemigos, necesitamos de los santos y orixás, hay que negar la razón colonizadora y superar el moralismo dogmático que mezquina los héroes.»

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Glauber Rocha

La historia de Dios y el Diablo en la tierra del sol, una de sus películas más impactantes, transcurre en la escenografía descrita por Euclides da Cunha en Os Sertoes (1902). La crónica, magistral, narra la gran guerra campesina de Canudos (1895-97), donde el gobierno de la época sufrió la derrota de cuatro expediciones y el ejército brasileño tomó cuatro prisioneros: un viejo, un niño y dos hombres agotados. Nadie se rindió.

En Canudos, precisamente, las cámaras de Glauber sorprenden al extraño Antonio Das Mortes, matador de cangaceiros (bandidos), platicando en el viejo mercado con el ciego Julio, quien recuerda los motivos centrales de la rebelión. Das Mortes trabaja para los terratenientes y anda en busca del bandido Corisco para matarlo. Pero al ciego confiesa que si bien su oficio es matar, no quiere hacerlo más; y que si lo hace es porque «no puede vivir descansando en esta miseria».

El ciego Julio replica que el pueblo es inocente. Entonces, el matador clava la mirada en el espectador: «Un día va a haber una guerra en este sertao (desierto del nordeste de Brasil), una guerra sin la ceguera de Dios y el Diablo. Yo, para que esa guerra venga algún día, yo, que maté a Sebastiao (santón de la región) voy a matar al Corisco para después morir a mi vez, pues nosotros somos todos la misma cosa».

Corisco, el bandido, dice que los poderes del pueblo son invencibles. Pero la realidad, según Glauber, «es la fuerza del inconsciente en dos planos: uno, hecho por la conciencia hacia los cultos y la civilización, y el otro determinado en la imagen del inconsciente, a la cual se le llama poesía o magia».

En el ensayo Estética del hambre (1965), Glauber Rocha afirma que el factor elemental de la liberación radica en la condición objetiva de los pueblos. El ensayo ataca a los partidos políticos nacionalistas y de la izquierda, a los que califica de «representantes de la concepción festiva de la revolución y de ser producto de una concepción intelectual aristocrática y burguesa, heredada del academicismo, privilegios, vedettes, concursos, premios y festivales».

En Italia, la película Antes de la revolución (Bertolucci, 1964), sostiene iguales críticas a personajes de la izquierda que «parecen estar más comprometidos con sus propias lujurias que con el marxismo, y esta actitud es la que impide el triunfo de su proyecto político».

Rocha sostenía que la credibilidad de un presupuesto revolucionario depende de su permanencia en el tiempo, de la firmeza y decisión para impulsar la acción que en términos de arte y cultura debe girar en torno a una premisa central: no mentir al pueblo.

En 1968, un grupo de estudiantes de La Sorbona afirmó que Antes de la Revolución, Week End (Godard, 1967) y Tierra en trance (Rocha, 1967) fueron las películas que más influyeron en el mayo parisino.

Todas las copias de Dios y el Diablo… fueron destruidas por la dictadura militar brasileña (1964-85), menos la que llegó clandestinamente al Festival de Cannes. La censura prohibió la exhibición de Barravento (premiada en Karlovy Vary, 1962), Tierra en trance (1967), El dragón de la maldad contra el santo guerrero (premio al mejor director en Cannes 1969), El león de siete cabezas y Cabezas cortadas (1970).

Sin embargo, en el último tramo de su corta vida, ciertas declaraciones de Glauber parecían acercarlo a las alucinaciones de los santos y los justicieros de vanguardia con crisis de conciencia, sumergido en angustias de intelectuales como el Paulo Martins de Tierra en trance, o las del guerrillero que viaja al Congo y allí queda estremecido porque una cosa es hablar de relativismo cultural, y otra observar in-situ prácticas culturales que se liberan devorando el hígado o el corazón, y cortando cabezas del enemigo con gritos, música y danzas guerreras.

Los desconcertantes comentarios de quien ya era expresión viva de la cultura brasileña, descolocaron a muchos de sus amigos, y a más de un crítico de arte. En 1974, el cineasta declaró a la revista Visión que el general Golbery do Couto e Silva era un «militar nacionalista, uno de los genios de la raza». La dictadura de Brasil, pensaba, daría un giro tras objetivos como los del general peruano Juan Velasco Alvarado y el libio Kadafi que vendrían a realizar, como Antonio Das Mortes, «los cambios que la izquierda no supo o no pudo hacer.»

No obstante, en una época donde todo parece centrifugarse en el relativismo cultural, la confusión ideológica y el adocenamiento político, las palabras de Darcy Ribeiro cobran fuerza y razón: «Glauber Rocha nos ha dejado como herencia su indignación».

Con 12 películas realizadas, el director de Dios y el Diablo… perteneció a una generación de creadores que antes de cumplir los 30 años todo lo habían dado de sí y después de los 30 se preguntaban por dónde seguía la exégesis de la revolución, no dejaban de firmar sus cartas y comunicados tal como lo hacía Glauber:

A esquerda, tudo. A direita, nada.

*Escritor y periodista argentino. Columnista de La Jornada, México.

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Cuba: Absuelta por su historia. Dossier especial de La Jornada

Tomando nota de que aún resta por resolverse el levantamiento del bloqueo que Gabriel García Márquez describió con lucidez y precisión, la reanudación de lazos entre Washington y La Habana fue debido, antes que a la “buena voluntad” del gobernante imperisl en funciones, a la tenacidad diplomática de la revolución, y a los nuevos vientos emancipadores que soplan en América Latina.

Epopeya, en suma, que el texto de Pablo González Casanova resume con tres palabras que alumbraran los siglos venidos: Cuba es humanidad.

lajornada

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GLAUBER ROCHA: DOS TEXTOS FUNDACIONALES E IMPRESCINDIBLES

Fotos, para esta edición: Claudia González Machado

LA ESTÉTICA DEL HAMBRE

Glauber, a quien conocí a principios de los años setenta en La Habana –cuando se estrenó El león de las siete cabezas en Cuba–, escribió este texto en 1965 como resultado de las discusiones sobre el cinema novo que se suscitaron durante la retrospectiva del cine latinoamericano efectuada en Génova en enero de ese mismo año. El texto aparece después del reconocimiento mundial de Dios y el diablo en la tierra del sol (1964), en los momentos en que el cinema novo se afianza internacionalmente con Glauber Rocha como uno de sus principales portavoces e ideólogos.

A continuación se ofrecen los pasajes más importantes de este importante documento:

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

Estética del hambre

Mientras América Latina lamenta sus miserias generales, el extranjero cultiva el sabor de esa miseria, no como síntoma trágico sino como dato formal de su campo de interés. Ni el latino comunica su verdadera miseria al hombre civilizado, ni el hombre civilizado comprende verdaderamente la miseria del latino. Hasta hoy sólo mentiras elaboradas de la verdad (exotismos formales que vulgarizan problemas formales) consiguieron comunicarse en términos cuantitativos, provocando una serie de equívocos que no terminan en los límites del arte sino que contaminan el terreno político en general.

Para el europeo los procesos de creación artística del mundo subdesarrollado sólo le interesan en cuanto satisfacen su nostalgia de primitivismo, un primitivismo híbrido, disfrazado de herencias del mundo civilizado malentendidas porque son impuestas por el condicionamiento colonialista.

El problema internacional de América Latina es todavía un caso de cambio de colonizadores, siendo que una liberación posible estará todavía por mucho tiempo en función de una nueva dependencia.

Este condicionamiento económico y político nos llevó al raquitismo filosófico y a la impotencia que generan en el primer caso la esterilidad y en el segundo la histeria.

La esterilidad: aquellas obras encontradas hartamente en nuestras artes, donde el autor se castra en ejercicios formales que todavía no alcanzan a la plena posesión de sus formas. el mundo oficial encargado de las artes generó exposiciones carnavalescas en varios festivales y bienales, conferencias fabricadas, fórmulas fáciles de éxito.

La histeria: la indignación social provoca discursos flamantes. El primer síntoma es el anarquismo que marca la poesía joven hasta hoy. El segundo es una reducción política del arte que hace mala política por exceso de sectarismo. El tercero, y más eficaz, es la búsqueda de una sistematización para el arte popular. Pero el error es que nuestro posible equilibrio no resulta de un cuerpo orgánico, sino de un autodevastador esfuerzo en el sentido de superar la impotencia. Y en el resultado de esta acción nos vemos frustrados apenas en los límites inferiores del colonizador. Y si él nos comprende, entonces no es por la lucidez de nuestro diálogo sino por el humanitarismo que nuestra información le inspira. Una vez más el paternalismo es el método de comprensión para un lenguaje de lágrimas o de mudo sufrimiento.

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

El hambre latina, por esto, no es sólo un síntoma alarmante: es el nervio de su propia sociedad. Allí se encuentra la trágica originalidad del cinema novo delante del cine mundial: nuestra originalidad es nuestro hambre y nuestra ma-yor miseria es que este hambre, siendo sentido no es comprendido.

De “Aruanda” a “Vidas secas” el cinema novo narró, describió, poetizó, discursó, analizó, excitó, los temas del hambre: personajes comiendo tierra, personajes comiendo raíces, personajes robando para comer, personajes matando para comer, personajes huyendo para comer, personajes sucios, feos, descarnados, viviendo en casas sucias, feas, oscuras. Fue esta galería de hambrientos que identificó el cinema novo con el miserabilísimo tan condenado por el gobierno, por la crítica al servicio de los intereses antinacionales, por los pro-ductores y por el público (el último no soportando las imágenes de la propia miseria). Este miserabilísimo del cinema novo se opone a la tendencia del digestivo. Filmes de gente rica, en casas bonitas, andando en automóviles de lujo: filmes alegres, cómicos, rápidos, sin mensajes, de objetivos puramente industriales. Estos son los filmes que se oponen al hambre, como si en los apartamentos de lujo los cineastas pudieran esconder la miseria moral de una burguesía indefinida y frágil, o como si los materiales técnicos y escenográficos pudieran esconder el hambre enraizada en la propia incivilización. Lo que hizo del cinema novo un fenómeno de importancia internacional fue justamente su alto nivel de compromiso con la verdad.

Nosotros comprendemos esta hambre que el europeo y el brasilero en su mayoría no entiende. Para el europeo es un extraño surrealismo tropical. Para el brasilero es una vergüenza nacional, y no sabe de dónde viene. Nosotros sabemos que el hambre no será curada por los planes de gabinete y que los arreglos del Technicolor no esconden sino que agravan sus tumores. Así sólo una cultura del hambre, minando sus propias estructuras, puede superarse cualitativamente: y la más noble manifestación del hambre es la violencia.

Del cinema novo: el comportamiento exacto de un hambriento es la violencia e la violencia de un hambriento no es primitivismo. Una estética de la violencia antes de ser primitiva es revolucionaria. Punto inicial para que el colonizador comprenda la existencia del colonizado: solamente concientizando su posibilidad única, la violencia, el colonizador puede entender por el horror, la fuerza de la cultura que él explota. Mientras no se levante en armas el colonizado es un esclavo: fue preciso un primer policía muerto para que el francés percibiera un argelino.

De una moral: esa violencia, con todo, no está incorporada al odio, como tampoco diríamos que está relacionada al viejo humanismo colonizador. El amor que esta violencia encierra es tan brutal cuanto la propia violencia, porque no es un amor de complacencia sino un amor de acción y transformación.

El cinema novo no puede desenvolverse efectivamente mientras permanece marginal al proceso económico y cultural del continente latino-americano, además el cinema novo es un fenómeno de los pueblos colonizados y no una entidad privilegiada del Brasil: donde haya un cineasta dispuesto a filmar la ver-dad y a enfrentar los padrones hipócritas y policiales de la censura, ahí habrá un germen vivo del cinema novo. Donde haya un cineasta dispuesto a enfrentar el comercialismo, la explotación, la pornografía el tecnicismo ahí habrá un germen del cinema novo. Donde haya un cineasta de cualquier edad o procedencia, pronto a poner su cine y su profesión al servicio de las causas importantes de su tiempo ahí habrá un germen del cinema novo.

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

La definición es esta y por esta definición el cinema novo se marginaliza de la industria porque el compromiso del cine industrial es con la mentira y con la explotación. La integración económica e industrial del cinema novo depende de la libertad de América Latina. El cinema novo se empeña para esta libertad. Es una cuestión de moral que se reflejará en los filmes, en tiempo de filmar un hombre o una casa, en el detalle de observar, en la filosofía: no es un film, sino un conjunto de filmes en evolución, que dará por fin al público, la conciencia de su propia existencia.

No tenemos por esto mayores puntos de contacto con el cine mundial. El cinema novo es un proyecto que se realiza en la política del hambre, y sufre por eso todas las debilidades consecuentes de su existencia.

 

LA ESTÉTICA DEL SUEÑO

Este texto, menos conocido que “Estética del hambre”, fue escrito en 1971 para ser presentado a los alumnos de la Universidad de Columbia (NY). El propio Glauber, en una retrospectiva suya organizada por Embracine y el Ministerio de Cultura de Brasil, en 1975, escribe: “La nación de América Latina supera la noción de nacionalismo. Existe un problema común: la miseria. Existe un objetivo común: la liberación económica, política y cultural de hacer un cine latino. Un cine empeñado, didáctico, épico, revolucionario. Un cine sin fronteras, de lengua y problemas comunes.”

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

Estética del sueño

1968 fue el año de la revoluciones de la juventud. El Mayo Francés ocurrió en el momento en que estudiantes e intelectuales brasileros manifestaban en Brasil su protesta contra el régimen militar de 1964.

Entre la represión interna y la repercusión internacional aprendí la mejor lección: el artista debe mantener su libertad ante cualquier circunstancia. Solamente así estaremos libres de un tipo muy original de empobrecimiento: la oficialización que los países subdesarrollados acostumbran hacer de sus mejores artistas.

Las ciencias sociales dieron a conocer estadísticas y permiten interpretaciones sobre la pobreza.

Las conclusiones de las afirmaciones de los sistemas capitalistas encaran al hombre pobre como un objeto que debe ser alimentado. Y en los países socia-listas observamos la permanente polémica entre los profetas de la revolución total y los burócratas que tratan al hombre como objeto a ser masificado. La mayoría de los profetas de la revolución total es compuesta por artistas. Son personas que tienen una aproximación más sensitiva y menos intelectual con las masas pobres.

Arte revolucionaria fue la palabra de orden en el tercer mundo en los años sesenta y continuará siéndolo en esta década. Creo entonces, que la mudanza de muchas condiciones políticas y mentales exige un desarrollo continuo de los conceptos de arte revolucionario.

Primarismo muchas veces se confunde con manifiestos ideológicos. El peor enemigo del arte revolucionaria es su mediocridad. Delante de la revolución sutil de los conceptos reformistas de la ideología imperialistas, el artista debe ofrecer respuestas revolucionarias capaces de no aceptar, en ninguna hipótesis, las evasivas propuestas. Y, lo que es más difícil, exige una precisa identificación de lo que es el arte revolucionaria útil al activismo político; de lo que es arte revolucionaria lanzada en la apertura de nuevas discusiones; de lo que es arte revolucionaria rechazada por la izquierda e instrumentalizada por la derecha.

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

Una obra de arte revolucionaria debería no sólo actuar de modo inmediata-mente político como también promover la especulación filosófica, creando una estética de eterno movimiento humano rumbo a su integración cósmica. La existencia discontinua de esta are revolucionaria en el tercer mundo se debe fundamentalmente a las represiones del racionalismo.

Los sistemas culturales actuantes, de derecha e izquierda, están presos a una razón conservadora. El fracaso de las izquierdas en Brasil es resultado de este vicio colonizador. La derecha piensa de acuerdo a la razón del orden y el desarrollo. La tecnología es ideal mediocre de un poder que no tiene otra ideología sino el dominio del hombre por el consumo. Las respuestas de la izquierda, ejemplifico otra vez en Brasil, fueron paternalistas en relación al tema central de los conflictos políticos: las masas pobres. El pueblo es el mito de la burguesía.

La razón del pueblo se convierte en la razón de la burguesía sobre el pueblo.

Las variaciones ideológicas de esta razón paternalista se identifican en monótonos ciclos de protesta y represión. La razón de izquierda se revela herede-ra de la razón revolucionaria burguesa europea. La colonización en tal nivel imposibilita una ideología revolucionaria integral, que tendría en el arte su ex-presión mayor porque solamente el arte puede aproximarse al hombre en la profundidad que el sueño de esta comprensión pueda permitir.

La ruptura con los racionalismos colonizadores es la única salida. Las vanguardias del pensamiento no pueden más, darse al hecho inútil de responder a la razón opresiva con la razón revolucionaria. La revolución es anti-razón que comunica las tensiones y rebeliones del más irracional de todos los fenómenos que es la pobreza. Ninguna estadística puede informar la dimensión de la pobreza. La pobreza es la carga autodestructiva máxima de cada hombre y re-percute psíquicamente de tal forma que este pobre se convierte en un animal de dos cabezas: una es fatalista y sumisa a la razón que lo explota como esclavo. La otra, en la medida en que el pobre no puede explicar lo absurdo de su propia pobreza, es naturalmente mística.

La razón dominadora clasifica el misticismo de irracionalista y lo reprime a bala. Para ella todo lo que es irracional debe ser destruido, sea la mística religiosa, sea la mística política. La revolución, como posesión del hombre que lanza su vida rumbo a una idea, es el más alto estado esencial del misticismo. Las revoluciones fracasan cuando esta posesión no es total, cuando el hombre rebelde no se libera completamente de la razón represiva, cuando los signos de la lucha no se producen a un nivel de emoción estimulante y reveladora, cuan-do, todavía accionando por la razón burguesa, método e ideología se confunden a tal punto que paralizan las transacciones de la lucha.

En la medida que la desrazón planea las revoluciones, la razón planea la represión. La toma política del poder no implica el éxito revolucionario. Hay que tocar por la comunión, el punto vital de la pobreza que es su misticismo. Este misticismo es el único lenguaje que trasciende al esquema racional de opresión. La revolución es una magia porque es lo imprevisto dentro de la razón dominadora. A lo sumo es vista como una posibilidad comprensible. Pero la revolución debe ser una imposibilidad de comprensión para la razón dominadora, de tal forma que la misma se niegue y se devore delante de su imposibilidad de comprender.

El irracionalismo liberador es la más fuerte arma de lo revolucionario. Y la libe-ración (…) significa siempre negar la violencia en nombre de una comunicad fundada por el sentido de amor ilimitado entre los hombres. Este amor nada tiene que ver con el humanismo tradicional, símbolo de la buena conciencia dominadora.

Las raíces indígenas y negras del pueblo latinoamericano deben ser entendidas como únicas fuerzas desarrolladas de este continente. Nuestras clases medias y burguesas son caricaturas decadentes de las sociedades colonizadoras.

La cultura popular será siempre una manifestación relativa cuando apenas inspiradora de un arte creada por artistas todavía sofocados por la razón burguesa. La cultura popular no es lo que se llama técnicamente de folclore, sino el lenguaje popular de permanente rebelión histórica.

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

El encuentro de los revolucionarios desligados de la razón burguesa con las estructuras más significativas de esta cultura popular será la primera configuración de un nuevo signo revolucionario.

El sueño es el único derecho que no se puede prohibir.

La “estética del hambre “era la medida de mi comprensión racional de la pobreza en 1965. Hoy rehúso hablar de cualquier estética. La plena vivencia no puede estar sujeta a conceptos filosóficos. Arte revolucionaria debe ser una magia capaz de hechizar al hombre a tal punto que él no soporte más vivir en esta realidad absurda.

 

Fuentes:

http://cinemanovo.com.ar/estetica_del_hambre.htm

Cine argentino y latinoamericano: una mirada crítica, de Alfredo Marino, Ediciones Nobuco, Argentina, 2004, en: https://books.google.com

 

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Un encuentro fortuito

Palabras inaugurales de la exposición “Acercamiento”, del fotógrafo cubano Daniel G. Pérez Hernández, en el Centro Cultural Cinematográfico Fresa y chocolate, del ICAIC. La Habana, agosto de 2015.

Acercamiento

Hace apenas un año tuve la dicha de conocer a Daniel. Yo llegaba a Punta Perdiz en la Ciénaga de Zapata, con la intención de crear la primera Galería Submarina de Cuba, a la que llamaría Transeúntes, como a la mayoría de los espacios y proyectos que hemos promovido durante los últimos años. Allí me encontré con Chirino, Héctor, Jacinto y Daniel, cuatro buzos a quienes hoy respeto, admiro y agradezco todo lo que me han enseñado sobre la inmersión en aguas profundas y las peculiaridades de los fondos marinos de esa región costera de Cuba. Haciendo honor a la palabra “amigos”, diría que lo somos en el sentido más noble y humano de la palabra.

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En el arte, la notoriedad hay que ganársela sobre bases de calidad

La siguiente entrevista, me fue realizada a finales de febrero del año 2009 para El bisiesto, periódico que acompañaba cada edición de la Muestra de Nuevos Realizadores durante su celebración y que después convertimos en un medio permanente de comunicación de los jóvenes cineastas cubanos. Se publicó con el título “Esta Muestra será siempre anticipatoria.” A los efectos de su relectura, además de añadirle las fotos de Claudia González Machado, he preferido identificarla como:

En el arte, la notoriedad hay que ganársela sobre bases de calidad

Entrevista a Omar González, presidente del ICAIC.

Foto de Claudia González
Foto de Claudia González Machado

Hace cinco años, usted comentaba que el ICAIC, con el auspicio a la Muestra de Nuevos Realizadores, se proponía establecer un espacio permanente para el diálogo y la confrontación artística y, con ello, sentar las bases para una recuperación del cine cubano.
Ya estamos en la octava edición de este evento audiovisual, ¿qué se ha logrado y qué ha quedado pendiente hasta hoy?

La Muestra de Nuevos Realizadores es un escenario permanente; no son cinco o seis días, es un programa de trabajo con el que se aspira a que todo el año constituya un espacio de intercambio y que ahí, en esa interacción, se propicie el diálogo, el debate; en fin, que haya diversidad de criterios y diferentes formas de hacer o de ver el proceso de creación del cine. Es un escenario práctico, pero también teórico, donde diseñamos lo que debe ser –o cómo aspiramos a que sea- la institución en el futuro. A quienes se la pasan clamando por el debate, como si se tratara de una consigna, yo les recomendaría ser parte de la Muestra, de la Muestra y de otros eventos y espacios que promueve la institución.

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

Están, por ejemplo, los diálogos intergeneracionales, en los que se intercambia sin obviar las jerarquías artísticas, pero contra toda forma de paternalismo, incluido el paternalismo tardío de quienes se reciclan a sí mismos y quieren pasar ahora por exégetas de lo nuevo. Yo recuerdo que cuando creamos esta Muestra, muy pocos –poquísimos, en realidad- creían en su pertinencia. Hoy, podemos decirlo así porque ocurre todo lo contrario y esto era, precisamente, a lo que se aspiraba. Entonces, la mejor forma de con-vencer a los escépticos, a los incrédulos, es abriendo espacios, haciendo las cosas en las que creemos, defendiendo el derecho, incluso, a equivocarnos. Todo lo demás es paisaje.

La realidad actual de nuestro cine no tiene precedentes, no puede compararse con ninguna otra vivida en nuestra sociedad; de ahí que la solución a los problemas no pueda ser la de otras veces. O nos pasará como a la mujer de Lot. Hay que inventar todos los días y desconfiar de los sabelotodo. Casi nada está escrito.

No podemos aspirar a un cine modosito, que eluda el conflicto, donde todo sea color de rosa, y donde la sociedad –en el esplendor de su riqueza y de su complejidad-, no esté reflejada. Desde nuestra cultura y nuestra identidad, debemos reconocernos en la pantalla, lo que no significa que yo esté propugnando algún tipo de normativa estética o de canon excluyentes. La diversidad ha de ser nuestra virtud más responsable.

En el cine cubano necesitamos que los realizadores, que ahora son jóvenes en su mayoría, se acerquen o participen de la institución con honestidad, defendiendo sus posiciones con el argumento de su obra, que será siempre el más perdurable y el más convincente. La notoriedad hay que ganársela sobre bases de calidad y no convirtiendo a la institución en el chivo expiatorio de los fracasos personales. Necesitamos que en esa relación prevalezca la sinceridad, que no haya concesiones y que la simulación –que puede ser recíproca: de los artistas y de los funcionarios- no se convierta en un modo de ser, aún más, en un modo de vida.

El ICAIC es heredero de una larga tradición, que va más allá, incluso, de los límites geográficos y culturales de nuestro país; y ahora, cuando celebramos nuestro 50 cumpleaños, insisto en llamar la atención sobre esta visión de continuidad y de vocación universal que ha de animarnos siempre. Nuestra todavía breve historia no parte de cero, ni tiene raíces únicamente en nosotros. Esto nos salvaría de cualquier estrechez dogmática y, ojalá, del narcisismo de los aldeanos vanidosos y los ignorantes.

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

Ahora no podemos pecar por omisión con respecto a los realizadores independientes; por eso, hablamos de cine cubano, un concepto que no constituye una simplificación del problema, sino que representa un crecimiento estético, un resultado del trabajo cultural de la Revolución, y que evidencia la madurez de un fenómeno; por eso, la relación que tenemos con los realizadores es cada vez más inclusiva, más sincera, más franca y de mayor colaboración, aun cuando algunas dificultades sean mayores que hace nueve años, cuando empezamos a hablar de la Muestra, y otras se hayan atenuado considerablemente. El mejor modo de suplir las carencias actuales es haciendo de la cooperación y del rigor un estilo de trabajo. A ello dedicamos nuestros mayores esfuerzos, sin olvidar que, a veces, pasamos demasiado trabajo para trabajar, ante la indolencia de una burocracia inclemente.

La institución no debe aspirar a “relacionarse” con los creadores, sino a ser cada vez más su espacio natural de confrontación artística. Esta es una identificación que sólo se da cuando se parte del prestigio, del respeto; cuando no hay prejuicios, ni concesiones, ni favoritismos por razones extrartísticas; en fin, cuando se comprende el papel de cada uno y se refuerza el papel determinante de los creadores en la evaluación y el criterio cultural. Si la institución no tiene la verdad absoluta, es porque nadie –entiéndase bien: nadie- la tiene por sí solo. En esto, todos tenemos que aprender muchísimo, aunque parezca lo contrario.

Nuestro objetivo no debe ser sólo la recuperación del cine cubano, entendido éste en los términos de lo que fue y ya no es, sino su reinvención, porque nuestra nostalgia no mira únicamente hacia el pasado, sino, más que nada, hacia el futuro, y es en este sentido que yo creo que la Muestra será siempre anticipatoria.

Foto de Claudia González Machado
Foto de Claudia González Machado

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José Martí en Bath Beach: “Un sombrerito callado por las arenas venía”

Fuente Cubadebate
Bath Beach en tiempos de Martí, según una de sus crónicas: “Van y vienen vapores; pitan, humean, salen y entran trenes; vacían sobre la playa su seno de serpiente, henchido de familias; alquilan las mujeres sus trajes de franela azul”. Foto: Ismael Francisco/ Cubadebate
Bath Beach en tiempos de Martí, según una de sus crónicas: “Van y vienen vapores; pitan, humean, salen y entran trenes; vacían sobre la playa su seno de serpiente, henchido de familias; alquilan las mujeres sus trajes de franela azul”. Foto: Ismael Francisco/ Cubadebate

Poblada por primera vez en la década de 1640 por puritanos ingleses, Bath Beach no acaparó demasiada atención hasta que el tren la unió con Manhattan a finales del siglo XIX. Los artistas venían a pintar sus imponentes paisajes y su luz cristalina, y cualquiera que pudiera permitirse huir del sofocante calor de la ciudad emprendía el peregrinaje veraniego.

Pero Bath Beach es entrañable para los cubanos por razones de lesa infancia. Varios investigadores, entre ellos la poeta y ensayista cubana Fina García Marruz, han documentado que este lugar inspiró “Los zapaticos de rosa”, poema de José Martí publicado en La Edad de Oro (1889),  en redondillas que todo cubano conoce desde la niñez y cuyas huellas también están dispersas en las crónicas que le dedicara el Maestro al extremo más occidental de Nueva York que alberga los barrios de clase obrera más poblados de esta ciudad: Brooklyn y Queens.

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Una ola de Cuba en el jardín de Emily Dickinson

Fuente Cubadebate
La casa de Emily Dickinson, hoy convertida en Museo, está ubicada en el número 280 de Main Street, en Amherst, Massachusetts.
La casa de Emily Dickinson, hoy convertida en Museo, está ubicada en el número 280 de Main Street, en Amherst, Massachusetts.

He visitado este lugar cientos de veces. Sin haber estado nunca, ya he caminado la calle. Main Street comienza en el espacio rectangular conocido como The Commons, donde se organiza cada semana un mercado de granjeros venidos de los pueblos de la comarca, y termina en la casa de Emily Dickinson (1830-1886), ahora convertida en Museo.  En los 600 metros de distancia entre ambos puntos, me parece haber visto antes las cresterías de piedra de la Iglesia Unitaria Universalista, que frecuentaban en su tiempo escritores como Emerson o Thoureau, y a cuya tradición se unió ella; el camino donde resuenan cantos de coro y está adornado de tejados triangulares, chimeneas, vidrios de colores y cornisas de un rosa desvaído a la luz de la tarde.

Amherst era una ciudad tranquila y levítica de Massachusetts. Creo haberla observado, como tantos viajeros previos, asomada a la ventana de Emily en el piso alto de la casa, desde donde se ve todo el jardín y más allá los prados cercanos, la línea del ferrocarril y un bosque. De esa geografía limitada y de un entorno no mayor de una docena de personas -algunas de ellas frecuentadas tan sólo por correspondencia- esta mujer extrajo los materiales para su poesía, de una originalidad que no se agota por mucho que se haya explorado y hayan corrido océanos de tinta.

La antología de poemas de Emily Dickinson publicada por Silvina Ocampo, con prólogo de Jorge Luis Borges.
La antología de poemas de Emily Dickinson publicada por Silvina Ocampo, con prólogo de Jorge Luis Borges.

La descubrí de adolescente en la traducción que hizo Silvina Ocampo, en un libro cuya portada tiene la silueta de Emily a los 14 años y el prólogo de Jorge Luis Borges. “No hay, que yo sepa”, dijo Borges de Dickinson, “una vida más apasionada y más solitaria que la de esta mujer. Prefirió soñar el amor y acaso imaginarlo y temerlo. En su recluida aldea de Amherst buscó la reclusión de su casa y, en su casa, la reclusión del color blanco y la de no dejarse ver por los pocos amigos que recibía”.

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Símbolos

Por: Rosa Miriam Elizalde

Fuente Cubadebate

Los tres Chevrolets clásicos que permanecieron parqueados frente a la Embajada de los EEUU, en el Malecón habanero, durante la ceremonia oficial de izamiento de la bandera a la que asistió John Kerry. Foto: Pablo Martínez/ AP
Los tres Chevrolets clásicos que permanecieron parqueados frente a la Embajada de los EEUU, en el Malecón habanero, durante la ceremonia oficial de izamiento de la bandera a la que asistió John Kerry. Foto: Pablo Martínez/ AP

Parquearon tres impecables Chevrolets de los años 50 frente al Malecón, como atrezo para el discurso del Secretario de Estado. La Habana de los carros viejos, tan cara a los turistas de la nostalgia, le tocaría ser símbolo de la reapertura de la Embajada de los Estados Unidos, un magnífico pase de ilusionista. Incluso, en algún momento, antes de que comenzara la ceremonia para izar la bandera, aquellos automóviles se revelaron como los protagonistas del decorado, recordándonos que la frontera entre un país y su estereotipo es más frágil que la que separa la realidad de la ficción.

Realmente no debió extrañarnos la puesta en escena. Si utilizamos la convencional distinción entre poder duro y poder blando que popularizó Joseph Nye, está claro que el de Obama es el imperio de lo simbólico, y a diferencia del uso que hacía George W. Bush de la amenaza militar, la actual administración confía ante todo en la fuerza de la palabra y de la imagen para conseguir sus objetivos políticos. Una diferencia que a veces es poco sutil y acorta la distancia entre el halcón y la paloma, como cuando la Subsecretaria de Estado, Roberta Jacobson, nos dijo en La Habana, en conferencia de prensa en la casa del entonces Jefe de la Sección de Intereses de Washington, que la estrategia de los Estados Unidos hacia Cuba era la misma de las administraciones anteriores, y que solo había cambiado la táctica.

Pero volvamos al símbolo. En un artículo del diario The New York Times publicado en 2004, Ron Suskind relató que, tras objetar la manera en que Bush conducía la guerra en Iraq y la convertía en un espectáculo de masas, el principal asesor del Presidente, Karl Rove, contestó: “Ustedes creen que las decisiones surgen del análisis de la realidad, pero el mundo ya no funciona así; ahora somos un imperio, y cuando actuamos, creamos nuestra propia realidad.” Así fue que el discurso político convirtió a Iraq en un país pacificado sobre el que reinaba una estabilidad democrática, envidiada por los países del entorno, a quienes no iba a quedar más remedio que ayudar también. Más de diez años después, aún no ha terminado la subasta de símbolos que crean y recrean la incómoda realidad de aquellos “oscuros rincones” del planeta.

Y por ese camino el símbolo suele tener muy buena prensa, de modo que el del 14 de agosto en La Habana se filtró en todas las reseñas. En la ceremonia de la Misión de los Estados Unidos, los carros antiguos aparecieron debidamente enlazados a la bandera de las barras y las estrellas que se negaba a volar –hacía un sol implacable y ninguna brisa en el Malecón este viernes- y a los tres marines que esperaron 54 años para verla trepar por el mástil. Y a John Kerry, por supuesto. Pero los carros antiguos, conservados de modo impecable como si hubieran estado todo este tiempo en un museo o esperando por el retorno de la Embajada norteamericana, eran la guinda, la metáfora perfecta de la Cuba que se quedó congelada en el pasado. Una exótica postal del regreso.

Lo que nadie dijo es que la magnífica carrocería de la mayoría de estos autos clásicos que circulan en toda Cuba, hijos del hierro y el estaño de la II Guerra Mundial, sobrevivió a un bloqueo que no dejó pasar ni una arandela –como nada de lo que necesitaron los cubanos para vivir-. Sin embargo, por dentro están ingeniosamente rehechos con motores rusos, baterías chinas, frenos polacos, llantas angolanas, bombillos de cualquier parte y amortiguadores que tienen níquel de la fábrica “Che Guevara” de Moa. La forma no es inocente respecto al contenido y este símbolo, para aquellos que habitan la Isla profunda, parece un chiste. Por no decir otra cosa.

El podio en la Embajada de los EEUU, donde hablaría el Secretario de Estado John Kerry. Foto: Ramón Espinosa/ AP
El podio en la Embajada de los EEUU, donde hablaría el Secretario de Estado John Kerry. Al fondo, los Chevrolets negro, rojo y azul cielo. Foto: Ramón Espinosa/ AP

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CARTA DE DESPEDIDA DEL CHE A FIDEL

Visiblemente emocionado, el 3 de octubre de 1965 Fidel dio lectura a la carta de despedida del Che, escrita en 1965.

TEXTO DE LA CARTA

“Año de la Agricultura”Habana

Fidel:

Me recuerdo en esta hora de muchas cosas, de cuando te conocí en casa de María Antonia, de cuando me propusiste venir, de toda la tensión de los preparativos.

Un día pasaron preguntando a quién se debía avisar en caso de muerte y la posibilidad real del hecho nos golpeó a todos. Después supimos que era cierto, que en una revolución se triunfa o se muere (si es verdadera).

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Muchos compañeros quedaron a lo largo del camino hacia la victoria. Hoy todo tiene un tono menos dramático porque somos más maduros, pero el hecho se repite. Siento que he cumplido la parte de mi deber que me ataba a la Revolución cubana en su territorio y me despido de ti, de los compañeros, de tu pueblo que ya es mío.

Hago formal renuncia de mis cargos en la Dirección del Partido, de mi puesto de Ministro, de mi grado de Comandante, de mi condición de cubano. Nada legal me ata a Cuba, sólo lazos de otra clase que no se pueden romper como los nombramientos.

Haciendo un recuento de mi vida pasada creo haber trabajado con suficiente honradez y dedicación para consolidar el triunfo revolucionario.

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Mi única falta de alguna gravedad es no haber confiado más en ti desde los primeros momentos de la Sierra Maestra y no haber comprendido con suficiente celeridad tus cualidades de conductor y de revolucionario.

He vivido días magníficos y sentí a tu lado el orgullo de pertenecer a nuestro pueblo en los días luminosos y tristes de la Crisis del Caribe.

Pocas veces brilló más alto un estadista que en esos días, me enorgullezco también de haberte seguido sin vacilaciones, identificado con tu manera de pensar y de ver y apreciar los peligros y los principios.

Otras tierras del mundo reclaman el concurso de mis modestos esfuerzos. Yo puedo hacer lo que te está negado por tu responsabilidad al frente de Cuba y llegó la hora de separarnos.

Sépase que lo hago con una mezcla de alegría y dolor, aquí dejo lo más puro de mis esperanzas de constructor y lo más querido entre mis seres queridos… y dejo un pueblo que me admitió como un hijo; eso lacera una parte de mi espíritu. En los nuevos campos de batalla llevaré la fe que me inculcaste, el espíritu revolucionario de mi pueblo, la sensación de cumplir con el más sagrado de los deberes; luchar contra el imperialismo dondequiera que esté; esto reconforta y cura con creces cualquier desgarradura.

Digo una vez más que libero a Cuba de cualquier responsabilidad, salvo la que emane de su ejemplo. Que si me llega la hora definitiva bajo otros cielos, mi último pensamiento será para este pueblo y especialmente para ti. Que te doy las gracias por tus enseñanzas y tu ejemplo al que trataré de ser fiel hasta las últimas consecuencias de mis actos. Que he estado identificado siempre con la política exterior de nuestra Revolución y lo sigo estando. Que en dondequiera que me pare sentiré la responsabilidad de ser revolucionario cubano, y como tal actuaré. Que no dejo a mis hijos y mi mujer nada material y no me apena: me alegra que así sea. Que no pido nada para ellos pues el Estado les dará lo suficiente para vivir y educarse.

Tendría muchas cosas que decirte a ti y a nuestro pueblo, pero siento que son innecesarias, las palabras no pueden expresar lo que yo quisiera, y no vale la pena emborronar cuartillas.

Hasta la victoria siempre, ¡Patria o Muerte!Te abraza con todo fervor revolucionario

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