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AGNÉS VARDA, LOS DESEOS DE SEGUIR FILMANDO. ROLANDO PÉREZ BETANCOURT

Muere la cineasta Agnès Varda a los 90 años
Foto: La Vanguardia

ROLANDO PÉREZ BETANCOURT

Empeñada hasta el último momento en reinventar artísticamente la realidad, murió la cineasta Agnés Varda a los 90 años de edad.

Le decían la abuela de la Nueva Ola francesa, pero de abuela aquietada por los años no tenía nada, ni en la manera luminosa de asumir el cine, ni en la articulación vibrante de su verbo, a toda hora en defensa de las ideas de izquierda y en pro de la liberación de las mujeres («El prototipo de maniquí continúa. Tengo la impresión de que no hemos avanzado tanto. Las portadas de las revistas siguen llenas de mujeres cosificadas. Siempre será un asunto de ricos contra pobres, de capital contra trabajo»).

Habría que recordar a una Habana cinéfila conmovida con aquel filme suyo del año 1962, Cleo de 5 a 7, realizado con aire vanguardista y en tiempo real. En ese mismo año había estado en Cuba, visita de la cual  saldría el documental Saludos, cubanos, y un testimonio fotográfico del pueblo y sus dirigentes de gran impacto artístico y social.

La experimentación predominó en ella a lo largo de una carrera de más de 40 filmes, entre documentales y ficción. La felicidad, de 1965, historia de una infidelidad con escenas eróticas «subidas de tono» para la época, es bien recordado por todos aquellos que desbordaron los cines del país para no perdérsela y luego, irremediablemente, discutirla en interminables polémicas.

Sin techo ni ley, de 1985, con una joven Sandrine Bonnaire, es uno de los mejores exponentes de algo que no se cansó de repetir la cineasta: «Nunca he rodado historias burguesas; he preferido dedicarme a retratar a estibadores, a vagabundos, a la gente que no tiene poder. Es eso lo que me interesa».

Su último documental, Agnés por Varda, presentado en el Festival de Berlín del pasado año, habla de ella misma y es un recuento tan sincero como emotivo de su manera de asumir el cine. Hoy es difícil referirse a él sin pensar que fue realizado a manera de despedida.

Pero todavía entonces seguía dando batalla y la artista ganadora de muchos premios se quejaba de ellos: «no paran de agasajarme, pero no tengo dinero para hacer mis películas. Hay un desequilibrio entre mi vitrina de trofeos y el rendimiento económico. Tengo leopardos, osos, perros, un león dorado… Incluso recibí un premio que era un poquito de tierra de todos los países de Europa. Muy bonito, pero inútil».

Por supuesto que a los noventa años, batallando contra el cáncer, Agnés Varda se murió con deseos de seguir filmando.

Fuente: GRANMA

“CAPITAN MARVEL”, DE HOLLYWOOD, ES UNA PROPAGANDA MILITAR DESCARADA DE LOS ESTADOS UNIDOS. BEN NORTON

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BEN NORTON

El Pentágono estuvo profundamente involucrado en la producción de la exitosa película de Hollywood, Capitán Marvel, y está utilizando la película para difundir propaganda de reclutamiento.

La superproducción de superhéroe “Capitán Marvel” es un estudio de caso perfecto sobre cómo los militares de los Estados Unidos utilizan Hollywood para difundir propaganda.

El ejército estadounidense está en el centro de la trama de “Capitán Marvel”. La protagonista de la película, Carol Danvers, es una ex piloto de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos que se convierte en un superhéroe después de absorber los poderes de una tecnología avanzada creada por otro científico militar de los Estados Unidos. (Ese científico resulta ser un miembro de la raza alienígena avanzada conocida como Kree, que, por razones inexplicables, decidió hacer una investigación militar innovadora para, de todos los innumerables lugares en el universo, los EE.UU.)

Tan pronto como la película comienza, bombardea a los espectadores con dos horas de propaganda militar de los EE. UU. Y ni siquiera es sutil; en el punto culminante de la trama, la capitana Marvel cambia los colores de su traje para que coincida con los de la bandera estadounidense.

Pero el ejército de los Estados Unidos no solo es parte de la historia del “Capitán Marvel”. Como se detalla a continuación en The Grayzone, el Pentágono estuvo profundamente involucrado en la producción de la película.

El reparto y los directores del “Capitán Marvel” trabajaron en estrecha colaboración con el ejército de los Estados Unidos, confiando en que los oficiales militares de los Estados Unidos eran consultores y asesores, empleando a docenas de soldados de los Estados Unidos en servicio activo como extras. Varias escenas fueron filmadas en una base militar estadounidense. Y desde su lanzamiento, el Departamento de Defensa de EE. UU. ha promocionado la película sin descanso en su sitio web y en las cuentas de las redes sociales.

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¿Filmando una película de superhéroes sobre un piloto de @USAirForce? ¡Aumenta el realismo usando a los hombres y mujeres que usan el uniforme todos los días! Cincuenta aviadores de @ 144thFW sirvieron como extras en la nueva película #CaptainMarvel: echa un vistazo a su experiencia htt️ https://go.usa.gov/xEGwW

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VOLVER A SANTIAGO. ROLANDO PÉREZ BETANCOURT

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ROLANDO PÉREZ BETANCOURT

rolando-perezSin ser periodista de formación ni tener el cine como oficio, Santiago Álvarez pronto encontró el camino hacia la obra perdurable.

Dos factores fueron fundamentales en ese crecimiento comenzado cuando él ya tenía 40 años de edad: la sensibilidad y el talento. Después vendrían la pasión, el trabajo sin horarios, la vocación revolucionaria, que le hicieron dirigir clásicos del documental y cimas del mejor periodismo, concretadas en el Noticiero Icaic Latinoamericano.

Lo conocí en 1967, junto a Iván Nápoles, encaramados en el techo de una embarcación durante el Campeonato Mundial de Caza submarina celebrado en Cayo Ávalos. Como sucedería muchas veces, director y camarógrafo discutían sin ponerse de acuerdo (en pocas ocasiones un director de cine y su camarógrafo predilecto han sido tan disparejos. Viéndolos trabajar parecía como si no se entendieran. Santiago, un puro nervio inmerso en el trance creativo; Iván, la calma exterior, la búsqueda por dentro. Luego, el resultado de la obra vendría a demostrar que los dos habían nacido para complementarse gracias al arte).

En Santiago convivían el periodista y el poeta. ¿Cuál primero, cuál después?

Una posible respuesta pudiera encontrarse en la imaginación y en el poder asociativo que lo caracterizaban y Hanoi, martes 13 es una prueba de ello. En 1966 lo sorprende un bombardeo estadounidense a esa ciudad y no se limita a captar el genocidio del hecho noticioso, del cual es un testigo excepcional. Quiere más, mucho más, y arma un documental que hoy está considerado entre los clásicos mundiales del género, entre otros aspectos porque hace gala de un montaje asociativo que habrá de caracterizarlo a lo largo de su carrera. Combina en esa obra a Martí y los niños, Martí y su texto sobre los anamitas, hace una denuncia in situ al genocidio yanqui, recurre a imágenes de archivo y logra que la figura del presidente Lyndon Baines Johnson emerja, cual máximo representante de una arrogancia imperialista que no vacila en sembrar desolación y muerte a su paso por una tierra en la que, moralmente, no tienen nada que ir a buscar.

El documental corta el aliento, pero también deja una sensación nada panfletaria de que Vietnam vencerá. Y ello en los momentos más duros de la contienda.

Santiago hizo de la invasión de Estados Unidos a Vietnam (15 viajes allá) su propia guerra. Quienes lo conocieron saben que el tiempo era su obsesión. Llegaba, se encerraba en el Icaic y en unos pocos días el material estaba listo. La urgencia periodística marcó no pocas veces al artista responsabilizado con dar a conocer al mundo lo que en ese mismo minuto estaba sucediendo. En esa inmediatez indispensable, el periodista sí se le impuso al poeta, sin que el poeta dejara de aparecer.

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SINOPSIS DE LA PELÍCULA ‘HIROSHIMA MON AMOUR’. MARGUERITE DURAS

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MARGUERITE DURAS

Estamos en verano de 1957, en agosto, en Hiroshima.

Una mujer francesa, de unos treinta años, se encuentra en esta ciudad. Ha venido a trabajar en una película sobre la Paz.

La historia empieza la víspera del regreso a Francia de esta francesa. La película en que trabaja ya está terminada. Sólo falta por rodar una secuencia.

La víspera de su regreso a Francia, esta francesa, a la que no se dará nunca nombre en esta película —esta mujer anónima— conocerá a un japonés (ingeniero o arquitecto) y vivirán juntos una brevísima historia de amor.

En la película no se pondrán en claro las condiciones de su encuentro. Pues no es ésa la cuestión. Uno puede conocerse en todas partes, en el mundo. Lo que importa es lo que se sigue de estos cotidianos encuentros.

A esta pareja fortuita no se la ve al principio de la película. Ni a ella. Ni a él. Se ven en su lugar cuerpos mutilados —a la altura de la cabeza y de las caderas— agitándose —presas, ya del amor, ya de la agonía— y recubiertos sucesivamente de las cenizas, de los rocíos, de la muerte atómica —y de los sudores del amor consumado.

Sólo poco a poco saldrán de estos cuerpos informes, anónimos, los cuerpos de ellos.

Están acostados en una habitación de hotel. Están desnudos. Cuerpos tersos. Intactos.

¿De qué están hablando? Precisamente de HIROSHIMA.

Ella le dice que lo ha visto todo, en HIROSHIMA. Se ve lo que ella ha visto. Es horrible. Mientras la voz de él, negando, tachará a las imágenes de embusteras y repetirá, impersonal, insoportable, que ella no ha visto nada en HIROSHIMA.

Su primera conversación será pues alegórica. Será, en resumen, una conversación de ópera. Imposible hablar de HIROSHIMA. Lo único que se puede hacer es hablar de la imposibilidad de hablar de HIROSHIMA. Ya que el conocimiento de Hiroshima se plantea a priori como un ejemplar señuelo de la mente.

Este comienzo, este desfile oficial de los horrores ya celebrados de HIROSHIMA, evocado en una cama de hotel, esta evocación sacrílega, es voluntaria. Se puede hablar de HIROSHIMA en todas partes, incluso en una cama de hotel, en el curso de amores fortuitos, de amores adúlteros. Los dos cuerpos de los protagonistas, realmente apasionados, nos lo recordarán. Lo que verdaderamente es sacrílego, si es que hay sacrilegio, es HIROSHIMA misma. No vale la pena ser hipócrita y sacar de quicio la cuestión.

Por poco que se le haya mostrado del Monumento Hiroshima, esos miserables vestigios de un Monumento de Vacío, el espectador debería salir de esta evocación limpio de muchos prejuicios y dispuesto a aceptarlo todo en lo que va a decírsele de nuestros dos protagonistas.

Helos aquí, precisamente, vueltos a su propia historia.

Historia vulgar, historia que pasa todos los días, miles de veces. El japonés está casado, tiene hijos. La francesa también lo está y tiene también dos hijos. Viven una aventura de una noche.

¿Pero dónde? En HIROSHIMA.

Este abrazo, tan vulgar, tan cotidiano, tiene lugar en la ciudad en que es más difícil imaginarlo de todo el mundo: HIROSHIMA. Nada resulta «dado» en HIROSHIMA.

Un halo particular aureola allí cada gesto, cada palabra, con un sentido suplementario a su sentido literal. Este es uno de los principales designios de la película, acabar con la descripción del horror por el horror, pues esto lo hicieron los japoneses mismos, pero hacer renacer este horror de estas cenizas inscribiéndolo en un amor que será forzosamente particular y «deslumbrante». Y en el que se creerá más que si se hubiera producido en cualquier otra parte del mundo, en un lugar que la muerte no ha conservado.

Entre dos seres lo más alejados geográficamente, filosóficamente, económicamente, racialmente, etc., que puede estarse, HIROSHIMA será el terreno común (¿el único en el mundo quizás?) en que los datos universales del erotismo, del amor y de la desdicha, aparecerán bajo una luz implacable. En cualquier otra parte que no sea HIROSHIMA, el artificio se impone. En HIROSHIMA, no puede existir, so pena, además, de ser negado.

Al ir a quedarse dormidos, volverán a seguir hablando de HIROSHIMA. De otra manera. En el deseo y tal vez, sin saberlo, en el amor naciente.

Sus conversaciones versarán a la vez sobre sí mismos y sobre HIROSHIMA. Y sus frases se entrecruzarán, de tal forma mezcladas, desde entonces, después de la ópera de HIROSHIMA, que no será posible discernirlas unas de otras.

Lo cierto es que su historia personal, por breve que sea, llegará a tener más importancia que HIROSHIMA.

Si no se cumpliera esta condición, la película, como tantas otras, no pasaría de ser una película de encargo más, sin interés alguno a excepción del de un documental novelado. Si se cumple esta condición, se conseguirá una especie de falso documental que resultará mucho más probatorio de la lección de HIROSHIMA que un documental de encargo. Seguir leyendo SINOPSIS DE LA PELÍCULA ‘HIROSHIMA MON AMOUR’. MARGUERITE DURAS

EL CINE CUBANO Y LA LITERATURA. WICHY NOGUERAS

LUIS ROGELIO NOGUERAS*

El cine cubano de ficción se ha nutrido hasta hoy, básicamente, de guiones originales más que de obras literarias. Ello se ha debido, en parte, a la urgente necesidad de  elaborar un lenguaje propio que tenían –en los primeros años de poder revolucionario– los jóvenes cineastas de la Isla; pero también –es  justo reconocerlo– a que la narrativa,  que  debía haber  aportado una especie de «reserva» (en la cual nuestros realizadores cinematográficos encontraran temas para sus filmes) era y en  cierta medida es aún relativamente escasa en un país que, como Cuba, ha tenido siempre una más sólida y sostenida tradición poética.

No obstante, en los 20 años transcurridos desde la creación del Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos, se han llevado a la pantalla algunas  obras literarias, la mayor parte de las veces en versiones libres, lo cual, dicho sea de paso, no solo es un derecho legítimo del cine, sino casi una necesidad, habida cuenta que el cine y la literatura son dos sistemas de signos distintos.

La primera novela que entró en nuestra cinematografía fue la célebre obra de los humoristas soviéticos Ilya Ilf y Eugene Petrov Las doce  sillas. En los años iniciales de la Revolución  de Octubre, los burgueses abandonaron masivamente a Rusia; pero imposibilitados de llevarse con ellos sus joyas, y en la errónea creencia de que los bolcheviques no podrían mantenerse por mucho tiempo en el poder, las ocultaron, a veces en sitios inverosímiles. Las doce sillas es, precisamente, la rocambolesca historia de uno de esos tesoros ocultos. Algo similar ocurrió en Cuba después de 1959. Por eso no le resultó difícil al realizador Tomás Gutiérrez Alea adaptar la hilarante obra de Ilf y Petrov y entregarnos así su divertida versión de Las doce sillas, filme, por cierto, que batió en su momento récords de taquilla.

El propio Gutiérrez Alea filmó en 1963 una historia basada en la amarga novela Gobernadores del rocío,  del gran escritor haitiano Jacques Roumain. El filme (titulado Cumbite) no alcanzó ni la calidad ni la popularidad de Las doce sillas, aunque  hoy  podemos reconocerle algunos valores, en especial de ambientación.

En 1967 Julio García Espinosa rueda Las aventuras de Juan Quinquín, sobre la novela Juan Quinquín en Pueblo Mocho, del poeta, narrador y folclorista villaclareño Samuel Feijóo. El gracejo campesino de los diálogos, la frescura y espontaneidad de la estructura, el bien logrado humor de las situaciones hacen del filme de García Espinosa una obra inolvidable.

Ese mismo año Sergio Giral realiza el documental El cimarrón, inspirado en el bestseller mundial Biografía de un cimarrón, del cubano Miguel Barnet, y al año siguiente (1968), Gutiérrez Alea termina una de las películas cubanas más elogiadas por la crítica internacional: Memorias del subdesarrollo, basada en la novela homónima de Edmundo Desnoes. Como ha ocurrido en muchas ocasiones, la excepcional calidad del filme no se debe tanto a la desigual noveleta de Desnoes como al guion, en el que laboraron el propio escritor y Gutiérrez Alea.

Manuel Herrera utilizó para su filme Girón (1972) no solo testimonios personales de combatientes, sino también las obras Girón en la memoria, de  Víctor Casaus, y Amanecer en Girón, del piloto de  guerra  Rafael del Pino. También en 1972, Sergio Giral filma El otro Francisco, filme que pretende mostrar y rebatir las concesiones ideológicas  que hizo en su Francisco nuestro costumbrista cubano del siglo XIX Anselmo Suárez y Romero.

Cuatro  años más tarde (1976), el propio Giral realiza Rancheador, inspirándose en el extraordinario documento literario Diario de un rancheador, de Cirilo Villaverde.

Lugar aparte merece la coproducción cubano-franco-mexicana El recurso del método, del realizador chileno Miguel Littín. Basado en la célebre novela de Alejo Carpentier, el filme de Littín es una excelente muestra de adaptación cinematográfica de una obra literaria por demás compleja y muy afincada en los secretos de la palabra.

Resulta significativo que la década del 80 se inicie con Cecilia, de Humberto Solás. A 20 años  del  nacimiento de nuestro cine  revolucionario, la más popular obra  literaria  cubana de ficción (Cecilia Valdés, de Cirilo Villaverde) llega a las pantallas, seguramente enriquecida con las enormes posibilidades que brinda el cine y el indiscutible talento de Solás.

Las predicciones en materia de arte resultan siempre fallidas. Pero no es imposible avizorar desde aquí que el cine cubano, dueño ya  de sus recursos expresivos, está en inmejorables condiciones para replantearse la posibilidad de buscar, en las obras literarias que ha producido nuestro país, desde El espejo de paciencia (1608) hasta hoy, nuevas fuentes de inspiración.

*Intelectual cubano (1944-1985). Artículo tomado del libro De nube en nube. Presumiblemente, fue escrito en 1980 para ser presentado como ponencia en el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano.

Fuente: GRANMA

AMENÁBAR Y LOS NOVIOS DE LA MUERTE. ANÍBAL MALVAR

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ANÍBAL MALVAR

En plena fiebre de exaltación patriótica española (la Moncloa, como el Alcázar, no se rinde), una asociación de veteranos de la legión ha amenazado al cineasta Alejandro Amenábar con llevarlo a los tribunales si no cambia el guión de la película que acaba de empezar a rodar en Salamanca.

Os doy unos segundos para tomaros las sales.

Resulta que Amenábar se ha puesto a rodar la historia del fundador del cuerpo, mi paisano  coruñés José Millán Astray, y su trifulca universitaria con el pensador Miguel de Unamuno, aquella que nos quedó en la memoria por la frase del militar (“Muera la inteligencia, viva la Muerte”) y la respuesta del cátedro: “Venceréis, pero no convenceréis”.

legion-300x225En todo caso, hay que reconocer a los veteranos legionarios que se han ido civilizando en parte, pues en lugar de mandarle a Amenábar un glorioso tercio con su gloriosa cabra, se han conformado con enviarle un burofax. Si la película no les gusta, la llevarán a los tribunales, y tal y como andan últimamente nuestros tribunales no será de extrañar que el director de Los Otros acabe en el trullo como un vulgar rapero o periodista.

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LA HABANA, PROTAGONISTA DEL FESTIVAL CUARENTA. MAYTE MADRUGA HERNÁNDEZ

MAYTE MADRUGA HERNÁNDEZ

El Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana arriba este 2018 a su edición cuarenta. Casi un siglo de vida motiva a su equipo organizador a revaluarse y mantener el lugar cimero que tienen dentro del continente.

Iván-GiroudA propósito de la fecha, y de los homenajes que instituciones como el Kennedy Center de Washington DC le realizan,  el presidente del Festival, Iván Giroud, ofrece detalles sobre algunos cambios en el evento.

La edición 39 anunciaba cambios para el aniversario 40, ¿cuáles se podrían mencionar?

En diciembre de 2017, manifestamos  nuestra voluntad de iniciar el estudio integral del Festival, con el propósito de asumir cambios que puedan constribuir a su desarrollo y perfeccionamiento  después de cuatro décadas de trabajo ininterrumpido. No se trataba de que tuviéramos  ya decidido qué cambios específicos realizaríamos, solo manifestamos que teníamos la voluntad de pensar en todo lo que fuera necesario cambiar, para poder avanzar hacia una nueva etapa.

Desde inicios de 2018 toda la dirección del Festival se encuentra inmersa en esa reflexión a fondo sobre el asunto, tratando de repensarlo todo. Es un ejercicio arduo que realizamos buscando evitar la rutina, el esquematismo, la formalidad, y lo hacemos basándonos en la experiencia acumulada por el equipo organizador, en los trabajos de investigación, las encuestas a públicos sobre el certamen, y una valoración del desempeño de las ediciones anteriores. Es un acto introspectivo y crítico. Necesario análisis para que podamos reajustar una maquinaria que llega a sus cuarenta años, y que se proyecta en una nueva etapa plantearse nuevos objetivos. No es que queramos cambiar por cambiar, con el hándicap de  una fecha determinada, aunque nos motive la circunstancia para hacerlo. Más bien se trata de cosas que hace rato debían haberse modificado y no lo hemos asumido, porque quizás están enlazadas con otras que no dependen de nosotros.

El Festival es un evento consolidado que ha ido realizando ajustes en su historia, dictados por la realidad de su contexto, porque otros cambios, tal vez más de fondo,  requieren de un análisis equilibrado y de mucho debate interno. Del debate saldrá una hoja de ruta.

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CON ‘BLACKKKLANSMAN’, SPIKE LEE INSTALA EL PODER NEGRO EN CANNES

El nuevo filme del director afroamericano cuenta la historia de un policía negro infiltrado en el Klu Klux Klan

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El director de cine estadounidense Spike Lee ofrece una rueda de prensa sobre la película “BlacKkKlansman” en Cannes (Sebastien Nogier / Pool / EFE)

Rodeado de una de nube de ‘motherfuckers’ y ‘niggers’, que salen de su boca sin parar, Spike Lee se muestra en la presentación de BlacKkKlansman como el martillo negro contra la América racista y supremacista blanca. “Estados Unidos es un país construido sobre el genocidio y esclavismo”, dice el Lee, rodeado de su equipo. ’Ese tipo de la Casa Blanca, Trump, tiene el botón nuclear a su alcance y eso asusta, tío”… Pero también quiere introducir un mensaje de esperanza con ‘BlacKkKlansman’, su mejor película en años. La más vital, desde luego, y la más divertida. Seguramente resultará también más comercial. “Estoy convencido que Estados Unidos es mejor que todo eso; el problema no es sólo nuestro: esos nazis ‘motherfuckers” de la derecha supremacista está presentes en todo el mundo. No me importa lo que digan los críticos ni nadie, porque sé que BlacKkKlansman está del lado bueno de la historia…”.

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El director de cine estadounidense Spike Lee posa durante el pase gráfico de la película ‘BlacKkKlansman’ (Ian Langsdon / EFE)

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“BERNIE, JAMÁS RECUPERARÁS TU DINERO”. LO QUE ESCONDE LA ENIGMÁTICA ÚLTIMA FRASE DE ‘LA VIDA DE BRIAN’

CARLOS PRIETO / EL CONFIDENCIAL

Dicen que hoy no podría rodarse una comedia religiosa como la de los Monty Python porque ofendería a demasiada gente, pero no es que su rodaje en 1978 fuera precisamente fácil…

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Los protagonistas de ‘La vida de Brian’.

Brian, un pobre diablo al que confunden con Jesús de Nazaret, es crucificado junto a otros parias y delincuentes de la Judea del año 33 d. C. Pero al mal tiempo, buena cara: antes de morir, los crucificados se ponen a cantar ‘Always Look on the Bright Side of Life‘ (Mira siempre el lado el lado bueno de la vida). He aquí el final de ‘La vida de Brian’, uno de los más celebrados de la historia del cine, aunque quizá a usted se le haya pasado desapercibido un pequeño detalle: al final de la canción, al borde de los títulos de crédito, el crucificado que lleva la voz cantante, dice una frase enigmática: “¿Quién crees que va a pagar por ver esta basura? Se lo dije: ‘Bernie, jamás recuperarás tu dinero'”. ¿Quién demonios es Bernie?

La historia del tal Bernie nos sirve para aclarar un malentendido sobre el emblemático filme de los Monty Python en estas fechas entrañables de Semana Santa: en un artículo reciente de este periódico, el senador del PSOE Tonchu Rodríguez dijo lo siguiente: “¿Los Monty Python tendrían que ir a la cárcel hoy? Porque ‘La Vida de Brian’ sería hoy delito”.

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LOS LABIOS DE JEANNE MOREAU. ROLANDO PÉREZ BETANCOURT

Fue imposible entonces ir a ver sus muchas película sin apartar los ojos de aquellos labios; al reírse, al llorar, al pronunciar un parlamento cualquiera  con su voz eternamente grave.

Ninguna firma de cosméticos la  hubiera contratado para un anuncio (portadora ella de una belleza tan poco convencional para los años 50-60), y sin  embargo, nunca tuvo el cine labios tan diferentes y explícitos a la hora de expresar un sentimiento.

Desconozco si algunos de los grandes directores que desde muy temprano la buscaron  repararon en ese don. Es de suponer que sí, ellos tan capaces de explotar los movimientos  de su cuerpo (entrenado en el teatro), la expresividad de los ojos, su don de transmitir  una sensualidad tan libre como misteriosa.

Cuando Jeanne Moreau, deidad de la Nueva Ola y protagonista de muchos filmes más, falleció en el 2017 a la edad de 89 años, lo primero que me vino a la mente fue la forma de sus labios y las excelentes películas en las que, una tras otra,  dejó estampadas sus huellas.

Fuente: Periódico Granma

RITA HAYWORTH Y LA GLOBALIZACIÓN DEL CHISMORREO. ROLANDO PÉREZ BETANCOURT

ROLANDO PÉREZ BETANCOURT

Cada vez más la globalización  del chismorreo le gana terreno a la magnitud social y cultural.

–¡Qué barbaridad!, fulana se divorció de fulano después de terminar su última película.

–Sí, pero él andaba  ya con otra.

–¿Con otra, o con otro?

El chisme banal y despolitizado en función (abarcadora)  de secuestrar el razonamiento trascendente.

Allá en los años 50, siendo un niño,  conocí  del asunto –sin comprenderlo entonces– leyendo revistas del corazón coleccionadas por una prima que, no obstante  gastarse una fortuna en tinte rojo y tacones altos, nunca alcanzó sus sueños de parecerse a Rita Hayworth y, por carambola,  matrimoniarse con un príncipe asentado en lejanas tierras.

Los chismes de la farándula de entonces no son nada comparados con la explosión que hoy alcanzan en las grandes plataformas de la información dominantes en internet, donde un titular acerca de la última matanza de escolares en Estados Unidos puede estar a la par, o por debajo, del último vestido vaporoso exhibido por Jennifer López, o cualquiera otra con menos talento artístico, pero con suficientes curvas, vida pública, o dinero como para mantenerse en el bombo publicitario.

El mito y la fama individual en función de banalizar la cultura y acaparar la atención de un público ávido en seguir la vida rimbombante  de los famosos, por encima  de acontecimientos políticos, culturales o económicos que, en su tejido  de implicaciones humanas, sí pudieran influir en  sus propias vidas.

El sensacionalismo irradiado por las  individualidades ganándole la batalla al hecho social como parte de la norteamericanización del mito, que sin barcazas de desembarco ni ablandamiento aéreo invade y seduce a millones de mentes asentadas en Europa (que también es una exportadora de esos desvalores), Asia y América Latina.

Maniobra «informativa» con claro objetivo dominante en su interés de que la despolitización y la banalización rijan el cada día de una sociedad internacional que, se pretende, sea cada vez más individual y privada por encima de lo colectivo y  lo social.

Un modelo cultural basado en la trascendencia desmedida de la imagen, el sensacionalismo, la exaltación de celebridades (verdaderas o fabricadas), todo encaminado a focalizar la atención popular en principios egocéntricos con pretensiones adormecedoras, las mismas, pero ahora en escala inimaginable  a mediado del siglo xx, que un día le hicieron errar el tiro a mi prima en su intención de parecerse a Rita Hayworth.

LA LECCIÓN. ROLANDO PÉREZ BETANCOURT

Me puse a ver una película que, de tan mala, seguí viéndola para comprobar hasta dónde podía llegar el cúmulo de sus impericias.

Historia sosa tomada muy en serio por su director, diálogos reiterativos, decorados que amenazaban con venirse abajo al primer estornudo, escenitas de sexo sin un mínimo de simulacro erótico, tiros a raudales y actuaciones tan lejos de ser consideradas que movían a la risa.

Películas similares las suelo «tumbar» antes de que alcancen los cinco minutos en pantalla, esta, sin embargo, la dejé rodar movido por un ánimo de indagación vinculado a una tendencia que ha venido tomando auge en los últimos tiempos: convertir las películas muy malas en buenas… para reírse de ellas.

El asunto no tiene nada que ver con las hoy consideradas películas de culto filmadas por Ed Wodd a ritmo de inspiradas torpezas y,  en menor  medida, las del mexicano-español Juan Orol, o aquellos filmes de ciencia ficción de los años 50 pletóricos de monstruos y naves espaciales a los que es preferible recordar envueltos en el mismo halo romántico que nos invadió en aquellos días (y pasar así por alto el trucaje de poca monta, en ocasiones imposible de ser disimulado por las cámaras de entonces).

Tampoco se refieren estas líneas a los premios Frambuesas entregados en Hollywood  –en coincidencia con los Oscar– a lo peor del año, y uno de cuyos máximos acaparadores ha sido Sylvester Stallone. Se trata entonces de películas concebidas por sus directores (las antes  mencionadas igualmente) con el ánimo de triunfar en la gran cartelera, pero que terminaron ganando el aplauso de un público ávido en  aglomerarse  en los cines para burlarse en colectivo de ellas.

El término «burla», vinculado con el  arte, no resulta en lo absoluto estimulante, pero es un hecho del cual dan fe cintas como The Room (Tom Wiseau, 2003) rodada a un costo de 6 millones de dólares y considerada por no pocos críticos como la peor película de la historia.

El filme cayó en manos de los cultivadores del cine malo que no faltan en diversos países y hasta celebran sus convenciones, a las que acuden disfrazados de los personajes impugnados y con  diálogos aprendidos de memoria para lanzarse  al ataque  bajo la máxima ( según Carlos Palencia, director de cinecutre.com) de que «ver en soledad películas malas es insoportable, pero verlas en compañía de gente que ríe a carcajadas y disfruta los comentarios y chistes en voz alta es una experiencia extraordinaria».

Un público diferente que, organizado en las redes sociales, sale a cazar filmes que muevan a la risa sin pretenderlo y para el que encontrar una película peor a la anteriormente vista es un pretexto que le permite organizar «fiestones de desquites».

Un público que, sin embargo, le hizo recuperar al actor, escritor y director de The Room el presupuesto invertido en su bodrio, y hasta obtener un dinerito extra. Un Tom Wiseau que, convertido en estrella de nuevo tipo, no ha tenido recato en insinuar que hizo su película tan mala con la mayor intención.

Fuente: Granma

DOMINIO MASCULINO DE HOLLYWOOD NO HA CAMBIADO, SEGÚN ESTUDIO

AP

Los resultados del 20mo estudio anual “Celluloid Ceiling”, sobre el empleo de mujeres detrás de las cámaras, fueron difundidos por el Centro para el Estudio de las Mujeres en la Televisión y el Cine de la Universidad Estatal de San Diego.

Hollywood

Las mujeres representaron tan solo el 18% de todos los directores, guionistas, productores, productores ejecutivos, editores y fotógrafos que trabajaron en las principales 250 películas estadounidenses estrenadas el año pasado, según un nuevo estudio.

Los resultados del 20mo estudio anual “Celluloid Ceiling”, sobre el empleo de mujeres detrás de las cámaras, fueron difundidos por el Centro para el Estudio de las Mujeres en la Televisión y el Cine de la Universidad Estatal de San Diego. Los hallazgos muestran que prácticamente no ha habido cambios en Hollywood en los últimos 20 años. En 1998, el porcentaje de mujeres detrás de las cámaras fue de 17%.

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THE CELLULOID CEILING: BEHIND-THE-SCENES EMPLOYMENT OF WOMEN ON THE TOP 100, 250, AND 500 FILMS OF 2017. MARTHA M. LAUZEN

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MARTHA M. LAUZEN

The Celluloid Ceiling has tracked women’s employment on top grossing films for the last 20 years. It is the longest-running and most comprehensive study of women’s behind-the-scenes employment in film available.

This annual study is sponsored by the Center for the Study of  Women in Television and Film, San Diego State University, San Diego, CA 92182, http://womenintvfilm.sdsu.edu

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In 2017, women comprised 18% of all directors, writers, producers, executive producers, editors, and cinematographers working on the top 250 domestic grossing films. This represents an increase of 1 percentage point from 17% in 2016 and is virtually unchanged from the percentage achieved in 1998

Last year, only 1% of films employed 10 or more women in the above roles. In contrast, 70% of films employed 10 or more men.

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LAS PELÍCULAS MÁS (MENOS) ESPERADAS (POR MÍ) EN 2018

En Twitter, alguien comentaba hace unas horas que estas serían las películas más esperadas de 2018, y preguntaba a sus seguidores cuáles aguardaban con mayor ansiedad. Definitivamente soy un tipo raro –rarísimo, diría yo, a juzgar por lo que han convertido el gusto cinematográfico–: ninguno de estos títulos me deslumbra a priori. Prefiero esperar alguna respuesta alentadora de los dioses menores que van quedándole al cine y de quienes, desde la resistencia cultural, realizan heroicamente una buena película, así nazca condenada a ser invisible por obra y gracia de los dueños de casi todo el mundo. Toca, en fin, seguir luchando; no hay otra opción para el arte.

LAS PELÍCULAS MÁS ESPERADAS DE 2018

ARABIA SAUDÍ AUTORIZA LA APERTURA DE SALAS DE CINE

Cuarenta años después de haberlo prohibido por temor a que se reprodujera la revolución islámica de Irán, la monarquía saudí ha reaccionado positivamente ante un hecho cultural ineludible próximo a cumplir 125 años: el disfrute del cine en espacios públicos (y privados). Algo francamente insólito y poco cuestionado por los medios corporativos occidentales. (OG)

El Ministerio de Cultura e Información va a empezar a conceder licencias de forma inmediata y espera que los primeros multicines abran en marzo de 2018.

ÁNGELES ESPINOSA / EL PAÍS

Mujeres saudíes en un festival de cortos celebrado el pasado octubre en Riad. FAYEZ NURELDINE AFP

Arabia Saudí ha autorizado este lunes la apertura de salas de cine, por primera vez en casi cuatro décadas. El Ministerio de Cultura e Información va a empezar a conceder licencias de forma inmediata y estima que los primeros multicines abran al público en marzo del año que viene. La medida, largamente esperada, se enmarca en el programa de reformas lanzado por el príncipe heredero, Mohamed Bin Salman (MBS), para modernizar el país. Se prevé que el primer cine en Riad se inaugure con la proyección de Born a King (Nacido rey), la primera superproducción rodada en el Reino del Desierto y que está dirigida por el español Agustí Villaronga.

“Esto marca un antes y un después en el desarrollo de la economía cultural en el reino”, ha declarado el ministro de Cultura e Información, Awwad Alawwad. En el comunicado en el que se hace el anuncio, Alawwad avanza también que la Comisión General de Medios Audiovisuales ha empezado el proceso para facilitar los permisos necesarios. “Esperamos que los primeros cines abran en marzo de 2018, afirma el ministro, que preside dicha Comisión.

Es la primera vez que van a concederse licencias de apertura de salas de cine comerciales desde su prohibición a principios de los años ochenta del siglo pasado. En aquellas fechas, la monarquía saudí, alarmada por la revolución islámica de Irán y la revuelta de La Meca, buscó protegerse reforzando sus lazos con el estamento religioso wahabí, al que concedió enormes poderes en materia educativa y de control social. Ese pacto ha convertido a Arabia Saudí en uno de los países con normas más anacrónicas del mundo.  Seguir leyendo ARABIA SAUDÍ AUTORIZA LA APERTURA DE SALAS DE CINE

PALABRAS DE INAUGURACIÓN, 39 FESTIVAL INTERNACIONAL DEL NUEVO CINE LATINOAMERICANO. IVÁN GIROUD

IVÁN GIROUD

IVÁN GIROUD

Buenas noches.

Inauguramos hoy un Festival que está a solo un paso de arribar a sus 40 años.

Ante tamaño desafío hemos optado por no introducir cambio alguno.

Este escalón número 39 deberá servirnos de pausa e impulso y deberá conducirnos a nuevos puntos de partida y de transformación del Festival en su cuarenta aniversario.

No podemos encarar el futuro de nuestro Festival de otra manera. Futuro que no podrá ser alcanzado de forma plena si no somos capaces de interpretar con objetividad nuestro presente proponiendo una lectura de la realidad que rompa con esquemas que hemos preestablecido.

En el programa de este año dos cinematografías caribeñas se destacan de manera especial, la dominicana y la puertorriqueña, con diez títulos cada una.

A Puerto Rico, ese pueblo hermano que ha sufrido este año los terribles embates del huracán María y la desidia de sus “protectores”, le dedicaremos una jornada especial del Festival, con la presentación del documental Residente, dirigido por el relevante músico puertorriqueño René Pérez (líder del grupo musical Calle 13).

Del programa del concurso de este año vale destacar un índice: 34% de los filmes son dirigidos por mujeres —proporción que resulta sin duda una quimera en cualquier otra latitud para una industria globalmente dominada por los hombres.

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RACISMO EN LA CULTURA MAINSTREAM. VALENTÍN KAHL

VALENTÍN KAHL / EL VIEJO TOPO
El racismo es un hecho cultural y que se evidencia en grados diferentes en el cine o en las series que se emiten en diferentes plataformas de Internet. El cine y la televisión está dominada por hombres blancos, es el canon de lo correcto, de lo que se tiene que ser. Todo lo que salga de ahí, es una deformidad, una rareza. Así, la cultura mainstream1 ha reforzado un esquema de valores que se perpetúan en la sociedad, manteniendo, a través de su programación, prejuicios y privilegios que alimentan el racismo. La invisibilización de las personas no blancas y de las mujeres ha sido una constante en las series televisivas de mayor audiencia; en otras ocasiones, las personas no blancas han servido de aliciente para la broma fácil a través de estereotipos que se escudan en el humor.

Se podría afirmar que las cosas han cambiado, que el racismo en Hollywood o en el mundo del espectáculo ya no es como en años pretéritos, casi hay que agradecer que ya no se produzcan películas de añoranza de la esclavitud como Lo que el viento se llevó (1939), todo un largometraje que romantiza a los soldados confederados y presenta a unos personajes negros infantilizados, menores de edad, que tienen que ser tutelados por los blancos. Es cierto que han aparecido series tan interesantes como Master of None Dear White People, series que critican abiertamente los privilegios de los blancos, a ellas irán dedicadas unas palabras más adelante.

La intención de estas líneas es poner el foco de atención sobre aquellas producciones audiovisuales contemporáneas o recientes donde el racismo se expresa de diferentes modos, tanto en la gran pantalla como en series de televisión bien conocidas por todos. Se parte de la premisa de que el racismo no es, necesariamente, el agravio a una persona en razón de su etnia u origen, sino que también lo es su invisibilización, la no presencia de actores no blancos (negros, latinos, asiáticos, etc.) es también racismo.

No vamos a hablar de aquellas tan evidentes como El nacimiento de una nación (1915), Un día de furia (1992), Una tribu en la cancha (1994), El precio del poder (1983)2¿De qué color me quieres? (1986), El Planeta de los simios (1968) o Apocalipsis Now (1979), La lista, por cierto, es aún más larga, simplemente aquí se han expuesto algunas películas donde el racismo es evidente.

Veamos, pues, algunos ejemplos de películas en las que su racismo podría pasar desapercibido, puesto que este mantenimiento de los privilegios de los blancos tiene que seguir existiendo, pero de una manera más disimulada, vamos a exponerlos según su fecha de estreno.  Seguir leyendo RACISMO EN LA CULTURA MAINSTREAM. VALENTÍN KAHL

IVÁN GIROUD HABLA DEL FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO DE LA HABANA. MAYTE MADRUGA HERNÁNDEZ

SITIO DEL FESTIVAL
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“ESTE ES UN FESTIVAL DE AFIANZAMIENTO”

En la mañana del lunes 20 de noviembre se dio a conocer la selección oficial de la 39 edición del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, que tendrá lugar del 8 al 17 de diciembre próximos.

“Con 1790 filmes inscritos, el comité de selección solo logró evaluar 1200 a partir del cierre de la convocatoria”, aclaró el presidente del Festival, Iván Giroud. Estas cifras demuestran que la convocatoria del Festival sigue siendo extensa.

“Este es un festival de afianzamiento”, aclaró Giroud al referirse a esta 39 edición.

El Coral de Honor será entregado al director brasileño Carlos Diegues, fundador del Cine Novo; y quien ha participado en varias ediciones del Festival con filmes como Bye Bye Brasil, y Orfeo.

En esta ocasión, en el apartado de largometraje de ficción competirán 19 películas. En Ópera Prima se presentan 18 filmes de noveles drectores; así como 18 cortos y mediometrajes.

Los documentales, una de las muestras más interesantes de esta edición, llegan con 23 películas.

En la sección de animación se podrán ver 16 materiales.

Una de las expos, siempre esperadas es la de carteles en competencia, la cual en esta ocasión llegó al número 24 de obras en competencia, y se expondrá en el Cine Chaplin.

Otras de las secciones de larga y respetada trayectoria, es la competencia de guiones inéditos, que este año ocupa la cifra de 20 proyectos.

El Sector Industria entre sus principales actividades prepara una muestra homenaje a James Ivory, que incluye un conversatorio con el director estadounidense.

El Premio Coral de Posproducción, tiene por primera vez ocho películas para optar por el galardón.

Otro homenaje especial, lo constituirá la proyección del filme Octubre, de Serguei Eisentein, en conmemoración al centenario de la Revolución Socialista de Octubre. “Este homenaje no solo es por la importancia histórica-social del hecho, sino para el cine también”, expresó el Presidente.

La Universidad de Cine, de Buenos Aires ha sido un valuarte para el nuevo cine argentino, el cual no puede explicarse sin el aporte de esa escuela”, es por esto que se rinde un homenaje a esta institución en esta edición, aclaró Giroud.

La sección Clásicos Restaurados, trae varios filmes, pero sin duda algunas el filme Lucía (1968; Humberto Solás) será una de las más significativas. “Ver Lucía restaurada es descubrir otras dimensiones del filme. Es el momento cumbre de esta sección”, opinó el Presidente.

En este sentido, “creo que esta sección tiene la importancia de rescatar el cine en vida, que vuelva a verse, apreciarse, que vuelva a apreciarse y sobre todo por las nuevas generaciones”.

Uno de los retos que tiene esta sección es los derechos de las películas, que muchas veces no está ni tan siquiera en manos de los directores.

“Este año nos propusimos mucho rigor en la selección”, puntualizó el directivo.

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