Archivo de la categoría: Arte

GAUGUIN “LE CORTÓ LA OREJA A VAN GOGH”.

Vincent van Gogh no se cortó su propia oreja sino que la perdió en una pelea con su colega Paul Gauguin tras una trifulca frente a un burdel, dicen ahora investigadores en Alemania.

Siempre se aceptó que el artista holandés, que sufría de desequilibrio mental, se había auto mutilado con una cuchilla después de una discusión en Arles, en el sur de Francia, en 1888.

Pero un nuevo libro, basado en la investigación policial original, asegura que la oreja de Van Gogh fue rebanada con una espada.

Los autores de la publicación sostienen que la versión oficial contiene demasiadas inconsistencias.

Testimonios

El libro, titulado “En la oreja de Van Gogh: Paul Gauguin y el pacto del silencio”, es el producto de 10 años de investigación realizado por los académicos alemanes Hans Kaufmann y Rita Wildegans.

Los autores examinaron los testimonios de los presentes y la correspondencia de ambos artistas, concluyendo que la pelea terminó cuando Gauguin – un maestro esgrimista – cortó la oreja de su amigo.

Aparentemente, Van Gogh luego la envolvió en un pañuelo y se la entregó a una prostituta llamada Raquel.

Kaufman dice que no estaba claro si se trató de un accidente o un acto intencionado de herir a Van Gogh, pero ambos artistas acordaron dar la versión de la auto mutilación a la policía para proteger a Gauguin.

El autor continúa diciendo que la versión tradicional de los eventos está basada en evidencia contradictoria e improbable, y que no hay testimonios independientes.

“El comportamiento de ambos después y varias alusiones hechas por los protagonistas indican que escondían la verdad”, dijo Kaufman en una entrevista con el diario francés Le Figaro.

Efecto dramático

En la correspondencia con su hermano Theo, Van Gogh escribió: “Por suerte Gauguin… no está armado con metralletas u otras armas peligrosas”.

El corresponsal de la BBC en Berlín, Steve Rosenberg, dice que no todos los expertos aceptan los argumentos del libro.

Muchos prefieren quedarse con la versión tradicional de los hechos.

Cualquiera que sea la verdad, dice Rosenberg, el incidente tuvo un efecto dramático en la vida del genio holandés. Un año y medio después, en 1890, Van Gogh moría después de dispararse un tiro en el pecho.

Para entonces Gauguin se había mudado a Tahití, en el Pacífico Sur, donde produjo la mayoría de sus cuadros famosos.

Fuente: BBC

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GOYA, PENSADOR. TZVETAN TODOROV

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TZVETAN TODOROV

TODOROV 2Goya no es sólo uno de los pintores más importantes de su tiempo. Es también uno de los pensadores más profundos, al mismo nivel que su contemporáneo Goethe, por ejemplo, o que Dostoyevski, cincuenta años después. Para sus primeros biógrafos, a mediados del siglo XIX, era evidente, aun cuando su interpretación del pensamiento de Goya fuera superficial. «Mezclaba ideas con sus colores», escribió Laurent Matheron en 1858. Charles Yriarte incide en el mismo sentido en 1867: «Debajo del pintor está el gran pensador que dejó huellas profundas […] El dibujo se convierte en idioma con el que formular el pensamiento». En cuanto a sus grabados, dice que poseen «el alcance de la más elevada filosofía». [1] Sin embargo, en el siglo siguiente, a la vez que se consolidaba la gloria de Goya como pintor, se adquirió la costumbre de contemplar con cierta condescendencia la aportación filosófica de este autodidacta, cuya mentalidad Ortega y Gasset describía como bastante similar a la de un obrero, y de cuyas cartas decía que eran propias de un ebanista. [2]

Goya dejó un dibujo con la leyenda Pobre y desnuda va la filosofía (GW 1398, fig. 1), que toma de un poema de Petrarca. En el dibujo vemos a una mujer joven, seguramente una campesina, cuya ropa indica su modesta condición. Es cierto que no va desnuda, pero sí descalza. Sujeta un libro abierto en la mano derecha, y otro, cerrado, en la izquierda. Su rostro es juvenil, algo ingenuo, y alza los ojos interrogantes al cielo. ¿Podría pues encarnarse la filosofía en personas sencillas, en gente descalza que nada sabe de estudios universitarios?

GOYA -POBRE Y DESNUDA VAS LA FILOSOFÍA
Fig. 1. Pobre y desnuda va la filosofía.

Goya rompe con aspectos decisivos de la tradición y anuncia el advenimiento del arte moderno. Por supuesto es ésta una valoración retrospectiva, por no decir anacrónica. Goya no ejerció influencia inmediata en el curso de la pintura en España, y todavía menos en pintores de otros países europeos. Fuera de España sólo empieza a ser conocido a partir de mediados del siglo XIX, décadas después de su muerte. No fue el estruendoso jefe de filas de un movimiento internacional de vanguardia, como Marinetti para el futurismo y Bretón para el surrealismo. Somos nosotros, los que vivimos en el siglo XXI, los que constatamos, cuando echamos un vistazo a la evolución de las artes plásticas en Europa en los últimos doscientos años, que durante ese periodo de la historia se produjo un cambio radical, y que Goya es el artista —no el único, es cierto, pero sí más que cualquier otro— que anticipó los nuevos caminos que se abrían a su arte y dio los primeros pasos en esa dirección.

Pero los cambios de esta envergadura no son, ni podrían ser, meramente formales. Esos cambios radicales no pueden tener su origen sólo en la imaginación de determinados individuos, por más que posean una sensibilidad artística excepcional. Aunque no son consecuencia directa de las profundas transformaciones que sufrió en aquella época la vida social, tienen que ver con ellas. La revolución pictórica que se pone de manifiesto en la obra de Goya forma parte de un movimiento que incluye la importante consolidación de la mentalidad ilustrada, la progresiva secularización de los países europeos, la Revolución francesa y la creciente popularidad de los valores democráticos y liberales. Esta convergencia nada tiene de fortuito. La pintura nunca ha sido un simple juego, un puro divertimento, un elemento decorativo arbitrario. La imagen es pensamiento, tanto como el que se expresa mediante palabras. Siempre es reflexión sobre el mundo y los hombres. Tanto si es consciente de ello como si no, un gran artista es un pensador de primera magnitud.  Seguir leyendo GOYA, PENSADOR. TZVETAN TODOROV

PUNTA PERDIZ, GALERÍA SUBMARINA TRANSEÚNTES. SÁNDOR GONZÁLEZ

galería-submarina-sandor-gonzález-580x256Fundada el 13 de diciembre de 2014 por el artista plástico Sándor González Vilar, en cooperación con el taller del también artista plástico Lázaro Valdez González y la oficina municipal de Cubanacán en la Ciénaga de Zapata. Ubicada en Punta Perdiz, uno de los once puntos de buceo del municipio matancero Ciénaga de Zapata. En su primera etapa cuenta con numerosos jarrones de cerámica esmaltada de 52×61 cm, sumergidos a una profundidad de quince metros (15), a sesenta (60) metros de la costa, y abarca un área sobre el lecho marino de más de veinte (20) metros.

Al mismo tiempo, se exhiben en la galería lienzos realizados bajo el mar por los artistas plásticos Juan Carlos DSC_0160Pérez Balseiro y Sándor González Vilar, acompañados por fotografías submarinas del laureado fotógrafo Daniel G. Perez Hernández, y un mural de 150×300 cm, también realizado bajo el mar y donado por los artistas al centro de buceo.

Como parte de las memorias del proyecto, en estos momentos se realiza un documental sobre el proceso de germinación de la galería, titulado “… de camino al mar”GOPR8427.MP4_snapshot_06.39_[2014.12.22_14.58.33]

En la segunda etapa, se invitará a participar a otros artistas, hasta contar con una amplia colección de arte contemporáneo cubano. Todo se realizará bajo la supervisión del propio Sándor y las obras tridimensionales se confeccionarán en el taller de Lázaro Valdés, lo que garantizará la calidad de las mismas y la imprescindible coherencia en la curaduría de la exposición.

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SIETE CURIOSIDADES SOBRE EL ‘DAVID’ DE MIGUEL ÁNGEL

HUFFINGTON POST

Se estrena el documental ‘Michelangelo’, que profundiza en la vida y las obras del artista renacentista.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) fue más que un pintor, escultor, arquitecto y poeta renacentista italiano. Fue además el primer artista al que se le consideró un genio. Por aquel entonces, los artistas entraban en la categoría de artesanos, pero él ascendió posiciones hasta ser calificado de “divino”.

El documental Michelangelo, que se estrena en cines este 15 de junio, explora estas particularidades y explica cómo la vida del italiano se refleja en su obra. Su mayor obsesión fue la representación del cuerpo humano (especialmente del desnudo masculino), hasta el punto de que Miguel Ángel acudía a la iglesia del Basílica del Santo Spirito para que le dejaran estudiar los cadáveres y así aprender más de la anatomía y sus formas.  Seguir leyendo SIETE CURIOSIDADES SOBRE EL ‘DAVID’ DE MIGUEL ÁNGEL

EL ÁNGEL HERIDO. SILVIO RODRÍGUEZ

Hasta ayer no conocía al pintor Hugo Simberg. Y de pronto tuve ante mis ojos “El ángel herido”, su obra más sugestiva, o una de las más. Representa a dos niños llevando en una parihuela a un ángel con la cabeza vendada y un ala rota. El primero de los niños, abriendo el paso, parece ensimismado en el camino; el segundo nos mira gravemente, acaso sin propósito, como si llevar un ángel herido no fuera tan extraño.
Cuál es la historia del momento que captura el cuadro, cómo el ángel se hirió o fue herido, son preguntas que asaltan. Acaso porque conozco un poco el tema no me ha sido difícil imaginar que pudiera tratarse de un ángel de la guarda accidentado mientras cumplía su deber. Viéndole, me pregunto si podría ser el que intentaba socorrer a Lorca o el que trataba de impedir que soltaran la bomba en Hiroshima. Quién sabe si incluso fuera el primero de los ángeles que se me ocurrió, y que no puse en la canción, el que intentó detener la hoja que bajaba hacia el cuello de María Antonieta.
Hugo Simberg nació en Viipuri y vivió entre 1873 y 1917. Viipuri es una ciudad portuaria que primero fue finlandesa, luego sueca, luego rusa, luego otra vez finlandesa y a partir de 1940 ha vuelvo a ser parte de Rusia y lleva por nombre Viborg.
Simberg pintó “El ángel herido en 1903 y en 2006 la obra de arte fue votada como “pintura nacional”.
Han sido tantas las preguntas que me he hecho, mirando este cuadro, que no tuve más remedio que reconocer que jamás llegaré a la verdadera historia de aquella herida, de aquel ángel con unas florecitas silvestres en la mano y de aquellos niños que lo llevaban, supongo que a curar. No dudo que esa fuera la intención de Hugo Simberg, cuando lo pintó.

ELOGIO DE LA ESPALDA FEMENINA. INMA DE CELIS

inma-1INMA DE CELIS / EL RINCÓN DE MIS DESVARÍOS

La luna sin espejo de la noche, la noche sin misterios por la luna, entonces me di cuenta, tienes una espalda tan hermosa como un ciervo. Gloria Fuertes

https://3.bp.blogspot.com/-1cQaG52Wkz0/UpZvIPV5c2I/AAAAAAAAsk4/BeH4YAY-qgw/s1600/Desnudo+de+mujer+(1910),+Joaqu%C3%ADn+Sorolla,+Unico+retrato+que+muestra+desnuda+a+su+mujer,+Clotilde.jpg
Joaquin Sorolla, 1910. Su mujer Clotilde

Su espalda pierde su nombre con tanta gracia, que no puede uno más que darle la razón; ojalá fuera yo, señora, un poeta de raza, para decir en su honor una oda inmortal. Georges Brassens

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Pierre Auguste Renoir

Muerdo la última fruta de tu espalda
y la magia se repite.

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REALIZAN DONACIÓN MULTIORGÁNICA EN MÉXICO

El fallecimiento y la extraordinaria actitud de un joven artista mexicano muy querido por nuestra familia, particularmente por mis hijos y sus amigos más cercanos, motivan la reproducción de esta nota, aparecida originalmente en un periódico potosino. Fue una persona realmente excepcional que sabía hacer cualquier cosa, y la que no sabía o no podía la inventaba con tal de ser generoso. Quería a Cuba y la vivía en sus costados más humildes y solidarios, allí donde la gente lo comparte todo. Prefería la sencillez y le bastaba un trozo de alambrón y un pedazo de madera para hacer una escultura. Ahora mismo, mi hijo le está sembrando flores en el fondo del mar, en la pieza que exhibe en la Galería Transeúntes, allá en Punta Perdiz, Ciénaga de Zapata, y mi hija encuentra en Facebook el origen de este comentario. En una época y un mundo donde hasta los ausentes son egoístas, conmueve un gesto como el del Güey. Te debemos un almuerzo y un abrazo cuando vuelvas. (OG)

Riñones y corneas se trasplantaran a pacientes potosinos, el hígado se llevará a la Ciudad de México

SELEM TERÁN / PLANO INFORMATIVO

San Luis Potosí, SLP.- De manera extraordinaria la mañana del martes en el Hospital General de Ciudad Valles se realizó un explante multiorgánico para que sean destinados a cuatro personas que tendrán una nueva oportunidad de vida.

Un hombre de 35 años,  previamente informó a sus familiares la decisión de donar sus órganos; ante el lamentable fallecimiento las primeras horas del martes, personal del Centro Estatal de Trasplantes se trasladó al lugar municipio para poder realizar el explante de riñones, corneas e hígado, y que sean trasplantados a las personas idóneas lo más rápido posible.

Ésta es la primera donación multiorgánica en años en el municipio de Ciudad Valles, ya que por las condiciones en infraestructura hospitalaria, así como la ideología de los valleneses, no se ha podido difundir la cultura de donación de órganos que permite “la vida después de la vida”, por ello, este hecho es muy importante para el Hospital General de Valles.

El traslado se realizó por vía área, ya que es indispensable la premura en estos procedimientos quirúrgicos, en el caso de riñones y corneas, Servicios de Salud coadyuvó con el traslado, y el hígado que fue llevado por el Instituto Nacional de Ciencias Médicas y de Nutrición Salvador Zubirán para que se realice el trasplante, fue la Procuraduría General de la República la que prestó un helicóptero para salir de Ciudad Valles directo a la Ciudad de México.

Se prevé que en unas horas los riñones en donación, así como las corneas lleguen al Hospital Central Ignacio Morones Prieto, para ser hoy mismo trasplantados a las personas que así lo necesiten, mientras que el hígado seguirá el mismo proceso a la Ciudad de México, dado que en San Luis Potosí no se cuenta con la tecnología para realizar la cirugía.

ROBERT CAPA, EL FOTÓGRAFO DE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA (1936-1939)

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Robert Capa. Foto: Gerda Taro

Robert Capa (Budapest, 1913 – Thai Binh, Vietnam, 1954), pseudónimo de André Ernö Friedmann, es reconocido muy tempranamente en su carrera como el mejor fotógrafo de guerra del mundo, tal como pone de manifiesto el artículo de la revista Picture Post (núm. 10, 3 diciembre 1938) con motivo de la publicación de uno de los más sobresalientes reportajes fotográficos sobre la Guerra Civil española. Su activismo político en su juventud deviene compromiso al comprobar el enrarecimiento de las políticas culturales, sociales y económicas tanto en su país, como en Alemania, país donde se instala en 1931 y del que se marcha dos años después. Su condición de judío y su afinidad ideológica con el Partido Comunista y con las tendencias anarquistas, le impulsan a convertirse en un exiliado voluntario y a poner su incipiente oficio de reportero al servicio de la lucha antifascista. (…)  Seguir leyendo ROBERT CAPA, EL FOTÓGRAFO DE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA (1936-1939)

ALBERTO LESCAY: COMENTARIOS ACERCA DE SU OBRA

A la espera de un texto que me he propuesto escribir sobre Lescay y su relevante obra como escultor, dibujante, pintor, grabador y ceramista,  reproduzco algunas de las opiniones que aparecen en su Sitio Web (http://www.albertolescay.com/albertolescaycritica.htm), todas las cuales proceden de amigos comunes, en su mayoría importantes intelectuales cubanos. OG

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Alberto Lescay Merencio (1950) nació, vive y trabaja en Santiago de Cuba.

RÁFAGA EN ESPLENDOR
“El torbellino nos envuelve y transporta, nos conduce con una fuerza animal, nos proporciona un sacudimiento telúrico los volúmenes y el color en las obras de Alberto Lescay son una síntesis de la vida cubana. Es la violencia y la borrasca, los granates incendiados quienes proclaman la cólera y los turquíes serenos nos hablan de la prudencia. Aquí hay ondulaciones de la forma que nos entregan una sensualidad irreverente, remolinos ardientes junto a nieblas opacas que nos revelan las fases de la historia nacional. Las púas y cuernos acoplados a plumas y arcos funcionan como catalizadores del carácter. Nunca antes los clamores del bermellón sirvieron mejor para ilustrar el ímpetu delirante, el brío, la seducción perenne de la batalla, ni las cascadas de índigo fueron impulsadas por estas fugas rabiosas, conducentes a un destino de aristas conquistadas. El entrecruzamiento veloz del cobre con el añil nos arrastra hacia una aventura tentadora y nos impulsa al fervor. ¿Y qué decir de ese Antonio Maceo rodeado de insurrectos machetes enhiestos – un Maceo en plenitud de combate invocando el sostén de su pueblo -, o qué hablar de la nobleza lírica de un Martí sosegado, o de ese grito en bronce que es el Cimarrón? Son capítulos de la vida de una nación coagulados para la perennidad. La celeridad, el aliento presuroso de nuestro ritmo vital ya lo había expresado Carlos Enríquez y los arcanos de nuestras enérgicas raíces quedaron plasmados por Lam. En Lescay se unen ambos valores y toman una nueva dimensión la cepa permanente y el instante fugaz. En estas telas Cuba es una ráfaga incesante, un ímpetu espléndido y apasionado.”
Lisandro Otero, 2003.
Novelista y periodista cubano fallecido en 2008.
Premio Nacional de Periodismo de México, 1998
Premio Nacional de Literatura de Cuba, 2002.
Miembro de la Real Academia Española y de la
Academia Norteamericana de la Lengua Española.

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“Asistimos a la profundidad, a la actualización estremecida por mirarnos en estos dibujos, en los verdes y leves azules en que parece erguirse el humus antillano y se escucha la intensidad del rocío. Siguiendo esta escala, observamos que no hacen gran suma los jóvenes pintores cubanos dadores de ejemplos en la utilización del rojo. No obstante, con el tono de la sangre, Alberto desgarra el día, hiere la sicología de los rostros y ofrece símbolos que desintegran y rehacen el mundo. En Sacrificio el cielo trastocado en púrpura semioscura, amenaza en los fondos mientras grises interpuestos vigilan las diagonales, sacrificadas en aras de un montaje en que el silencio añora pronunciarse. Algo similar se aprecia si nos detenemos en El palomar, La gran caída y Fuego del silencio; ellos y otros, con sus güijes, tambores y templos del vudú, implican en la poética del color, metáforas abarcadoras del mar, la flora, el aire y la fauna.”
Marino Wilson Jay, 1989.
Poeta. Preside la Asociación de Escritores en Santiago de Cuba.
Entre sus últimos libros publicados están Peligro: aquí se habla de poesía (ensayo) y los poemarios El libro terrible y Poesía funesta. 


Uno no se explica cómo Lescay es, paralelamente, escultor y pintor. No se lo explica (aclaremos) a primera vista, luego vamos descubriendo en los lienzos cierta idea de dimensiones infinitas, de lejanías que constituyen la imposibilidad del que trabaja los volúmenes. Entonces caemos en la cuenta de que lo visto es una verdad complementaria de aquel otro que el bronce (uno de sus más recurrentes materiales) y las raíces, las hélices, el alambrón no alcanzan a concretar.”
Alejandro Querejeta, 1986.
Periodista, poeta y narrador.
Reside en Quito, Ecuador.

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“Estos lienzos, cartulinas y esculturas tienen de leyenda, en sus colores y en sus formas, se asoman al sueño del artista. Ya una vez escribí que no sabía a cuál Lescay prefería, sí al escultor o al pintor. Ahora puedo contestarme a mí mismo: a los dos. Lescay ha logrado, a golpe de talento y de trabajo, convertir su obra maravillosa en una imagen y en un idioma. Usted va a un lugar y ve una pieza y puede decir: ese cuadro es de Lescay. Porque ha descubierto un lenguaje pictórico tan personal como colectivo. Ahí está la esencia del arte, ser y multiplicarse. Tener ese don no es fácil, porque a veces se acerca a lo genial.”
“Ahora Alberto Lescay nos regala su Mackandal, en éstos óleos líricos y musicales, donde la pintura parece que danza. Un Mackandal de color y de fuego. De ira y de ternura. De combate y de amor. De agua y de tierra. De sueño y de vigilia. De muerte y de resurrección real. Un Mackandal que se multiplica en cada pieza, ahora buey o caballo, culebra o tronco de árbol, hasta paloma si hace falta, cimarrón al fin. Siento en estos cuadros el perfume de las flores africanas y un tambor del Vodú, que desesperado, nos llama. He aquí a Mackandal incorporado ya para siempre a la plástica nacional y antillana. He aquí rota entonces la frontera entre la pintura y la poesía. He aquí rota también la frontera entre la pintura y la música. He aquí rota además la frontera entre la pintura y la danza. Son estos cuadros la poesía que se escapa, la música del aire y la danza del corazón.”

Jesús Cos Cause, 1998.
Poeta e investigador de la Casa del Caribe fallecido en 2007.
Fue Coordinador del Taller Internacional de Poesía que auspicia esta institución.

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“Se ha señalado la relación de la obra de Lescay con manifestaciones mágico-religiosas del área del Caribe -esencialmente el vudú-, así como la carga erótica que perméa su figuración; sin embargo, ni este pintor es un devoto del vudú, ni un artista de lo erótico, y ambas visiones parecen servir de vehículo a una tercera inquietud. En Lescay, la reiteración el tema del vuelo es totalmente consciente y, a mi modo de ver, posee valor metafórico.” Seguir leyendo ALBERTO LESCAY: COMENTARIOS ACERCA DE SU OBRA

CHOCOLATE, LA CONEXIÓN HUMANA. OMAR GONZÁLEZ

No es un milagro ni una realidad fortuita, y tampoco viene exactamente de donde parece. Allá los que no ven, los que, de tanto querer olvidarle, nos lo recuerdan siempre. 

choco-7A pesar del bullicio, medita. Siempre medita. Quienes lo juzgan a primera vista, se equivocan: lo pueblan de etiquetas, lo encasillan, tratan de acomodarlo en un molde demasiado pequeño. Su vida es un viaje permanente a la semilla, y su patria la humanidad en pleno. Ahora viene en silencio por la calle Sol, en la reverberante Habana Vieja. Observa con atención el rostro, la figura y la sombra de los transeúntes, se detiene en los recodos de luz y se estremece ante las congojas y holguras del alma, del alma ajena y del alma propia. Lo registra todo. A su lado, una mujer pasa contoneándose y un vendedor ambulante la convierte en metáfora. Hay picardía en sus ojos, hay también inocencia. Ya los retrató.

Mientras camina, pareciera que no toca el suelo; como si levitara, pero afincado en un firme de nubes. Mueve los brazos tímida y acompasadamente, con elegancia y a la vez con misterio, sin gestos obvios que delaten sus verdaderos sentimientos. Son los ademanes secretos que recorren su obra. Porque él es también un enigma, y lo que hace está marcado por la armonía contradictoria no sólo de su vida, sino de todas las vidas posibles.

Mira siempre en lontananza, aunque tenga el horizonte al alcance de sus manos. (Vaya manera de ocultar la tristeza.) Es alegre y tiene una risa abierta, pero su silencio semeja un abismo que no termina nunca. Piensa cada palabra que dirá, entre otras razones porque la vida lo enseñó a no equivocarse y porque cultiva la rara virtud de la decencia, de no ofender a quien se quiere, de no hablar mal de los amigos. Él es un caballero.

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MICHELANGELO PISTOLETTO: «CUBA HA DE CAMBIAR AL MUNDO»

JORGE LUIS RODRÍGUEZ AGUILAR / CUBARTE 

43088_465bc36842e8140Bajo el radiante sol de un día caluroso, que presagiaba más la llegada del verano que del suave y casi inexistente invierno que nos recorre, llegó Michelangelo Pistoletto a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro. Seguir leyendo MICHELANGELO PISTOLETTO: «CUBA HA DE CAMBIAR AL MUNDO»

MICHELANGELO PISTOLETTO, “CUBA ES EL PUNTO DE PARTIDA PARA CAMBIAR EL MUNDO”

ARACELYS BEDEVIA /JUVENTUD REBELDE

Uno de los más grandes representantes del movimiento Povera, Michelangelo Pistoletto, expondrá por vez primera en el Museo Nacional de Bellas Artes. A pocas horas de su llegada a Cuba, ofreció declaraciones exclusivas para JR

Pistoletto junto a una de las piezas realizadas a partir de fotografías tomadas a cubanos en las calles y otros espacios públicos. Foto: Roberto Ruiz

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LA ENTREVISTA PERDIDA CON JOHN LENNON Y YOKO ONO

TARIQ ALÍ Y ROBIN BLACKBURN
Tomado de BLOG CULTURA Y RESISTENCIA

En septiembre de 1980

En 1971, a poco tiempo de la disolución de The Beatles, Tariq Alí y Robin Blackburn sostuvieron con John Lennon y Yoko Ono una larga y abierta conversación. Incluida en Street Fighting Years, libro que Tariq Alí publicara en 2005 en la editorial Verso, la entrevista apareció en un par de publicaciones en aquellos principios de la década de los años setenta, aunque pasó algo desapercibida, pese a ser mucho más interesante que la bien conocida e interminable serie de preguntas y respuestas que le hiciera Jann Wenner para Rolling Stone. Alí y Blackburn permitieron que Lennon se explayara y lo provocaron y animaron cuando éste daba muestras de dejadez o cansancio. Entre otras cosas, Lennon cuenta que George Harrison y él se brincaron las trancas y hablaron en público contra la Guerra de Vietnam; discute la lucha de clases de un modo envolvente, defiende la música rural y el blues, sugiere que las mejores canciones de Dylan son herederas de las baladas revolucionarias irlandesas y escocesas y disecciona sus tres versiones de “Revolution”.

A: Tu más reciente disco [John Lennon-Plastic Ono Band] y tus más recientes declaraciones públicas, especialmente las entrevistas en Rolling Stone, sugieren que tus puntos de vista se han vuelto más y más radicales y políticos. ¿Cuándo comenzó a ocurrir esto?

Lennon: Siempre he sido propenso a lo político, ¿sabes?, y estoy contra el statu quo. Es lo básico cuando creces, como yo, odiando y temiendo a la policía como un enemigo natural y desprecias al ejército como un ente que se lleva lejos a tantos –y los abandona, muertos, en alguna parte. Es decir, es lo básico para la clase trabajadora, pero comienza a deslavarse cuando creces, te haces de familia y te ves tragado por el sistema. En mi caso nunca he dejado de tener mentalidad política, aunque la religión tendió a encubrírmela durante mis días de pasón con ácido, en 1965 o 1966. Y esa religiosidad era el resultado directo de toda la mierda de ser superestrellas; era una salida a mi propia represión. Pensaba: debe haber algo más en la vida, ¿no? Esto no es todo, ¿verdad? Seguir leyendo LA ENTREVISTA PERDIDA CON JOHN LENNON Y YOKO ONO

Arte bajo el mar

Ana María Domínguez Cruz
Fuente: Cubahora

galería-submarina-sandor-gonzalez8Con mucho cariño atesora su primer cuadro pintado a 6 metros bajo el mar. Fue un fracaso pictórico, me dijo, y hacerlo con dos buzos sosteniendo cada extremo del lienzo cual caballete improvisado tampoco le trajo buenos resultados. Pero fue así como el licenciado en Química y artista de la plástica Sandor González se atrevió por primera vez a echar a andar su obra submarina.

“Siempre me gustó experimentar y la química me pareció genial para eso cuando era joven, no veía el arte como una forma de vida. Al final, dejé de ejercerla y estudié  grabado en la Escuela de Artes Plásticas San Alejandro, pues eso era lo único que no podía aprender en mi casa por los recursos que se necesita para eso.  Luego me percaté de que la química sirve para todo en la vida, y en especial en el arte, cuando vas a mezclar los colores, por ejemplo”.

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El tiempo también pinta

Fuente: Masdearte.com

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William Hogarth. El tiempo ahumando una pintura, 1761

William Hogarth lo vio con claridad en El tiempo ahumando una pintura (1761), un aguafuerte a la manera negra. Aquí se pone de manifiesto la importancia de los materiales para que las obras duren, pues el tiempo impone, desgasta y destroza. Lo dijo Goya: El tiempo también pinta, y pese a la vocación de perennidad de la mayor parte de las obras de arte de la historia, es inevitable que el transcurrir de los años imprima un sello a todas ellas.

Como sabéis, en aquel s XVIII creció con fuerza el coleccionismo y el mercado del arte se volvió muy activo, sobre todo en Inglaterra y tras los hallazgos arqueológicos que llevaron a un aumento de las falsificaciones, que entonces trataban de simular el efecto del paso del tiempo sobre una pieza nueva para que parezca antigua. Este aguafuerte de Hogarth representa a Cronos sobre varias ruinas escultóricas ahumando un cuadro e hincando una guadaña atravesando el lienzo. El pintor criticaba así a los falsificadores, tema que fue objeto de reflexión amplia en el 1700 (ya en el s XIX se desarrollaría la poética de las ruinas). Seguir leyendo El tiempo también pinta

Perú: el misterio de las pinturas negras descubiertas en Machu Picchu

Fuente:

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La imagen hallada mide unos 15 centímetros. Ministerio de Cultura de Perú

Por lo pronto ofrecen más preguntas que respuestas. El hallazgo de unas pinturas rupestres inéditas en las proximidades de la ciudadela de Machu Picchu significa un nuevo desafío para los arqueólogos del Ministerio de Cultura de Perú.

Las pinturas fueron descubiertas hace un par de meses por el equipo multidisciplinario de investigaciones que trabaja en el lugar en búsqueda de nuevos elementos que permitan entender más sobre la ciudadela inca erigida a 2.400 metros sobre el nivel del mar. Seguir leyendo Perú: el misterio de las pinturas negras descubiertas en Machu Picchu

Gravedad y ruptura, hasta un nuevo comienzo


Fuente: Granma

f0061609Alguna vez la poeta norteamericana Sylvia Plath saboreó entre deberes domésticos la idea de que los genios bebieran ginebra en su cocina. Su marido, el notable poeta inglés Ted Hughes, figuraba como anfitrión de esas fantasías. No está claro si ella se veía a sí misma coprotagonizando el encuentro.Tiempo después Hughes la abandonaría por la mujer de uno de sus asiduos invitados a comer (gente poco sobresaliente), y Sylvia se suicidará con gas del horno de su nuevo apartamento.

Lo cierto es que la vida de Sylvia Plath se ha tornado amarillista para la literatura contemporánea, dejando sumergida la esencia del conflicto existencial de una creadora que luchó con y contra sus fantasmas y a quien se le fueron sus últimos días escribiendo compulsivamente, apenas sin dormir, el poemario Ariel, su obra magna terminada y visible en su lugar de muerte. Seguir leyendo Gravedad y ruptura, hasta un nuevo comienzo

África Nuestra

Isaac Ramirez
Fuente: Cubarte

La Habana: Capital del Cine Africano (1985-1986)

making áfricaComo parte del programa del VIII Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, celebrado del 3 al 17 de diciembre 1986, se presentó en el cine La Rampa una Muestra de Cine Africano; la mayor de su tipo realizada en nuestro continente, hasta esa fecha.

La referida retrospectiva abarcó una selección de la producción cinematográfica africana del periodo 1962-1986, con películas dirigidas por realizadores igualmente africanos, de 16 países: Níger, Senegal, Costa de Marfil, Egipto, Mauritania, Camerún, Congo, Argelia, Marruecos, Sudáfrica, Túnez, Etiopía, Burkina Faso, Malí, Ghana y Mozambique.

Fueron proyectadas en dicha ocasión, un total de 56 películas; de las cuales 44 correspondían a ficción, 11 documentales y 1 dibujo animado.

Hablar de acciones transcurridas 30 años atrás, no constituye solamente un ejercicio nostálgico, que en alguna medida los es; sino la confirmación de la vigencia de uno, como mínimo, de los tantos objetivos que las animaron: facilitar a nuestros investigadores, historiadores, etnólogos, docentes, estudiantes, artistas, críticos, cinéfilos y público en general, un encuentro audiovisual con África; imperativo por la importancia de África y su cultura, en la formación de nuestra identidad y nación.

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¿Cine de Hollywood en Cuba?


Fuente: Granma

hMás de 40 años escribiendo la Crónica de un espectador en Granma, y casi 20 en la televisión conduciendo programas de cine, han he­cho que no falten espectadores que se me acerquen, o me escriban, para decirme: “compadre, no apriete tanto con Hollywood”.
Pero qué remedio.

Cualquier crítico que se respete sabe lo que el Hollywood mayoritario significa: gran espectáculo, gran negocio, fórmulas comerciales reiteradas, audiencias adormecidas frente a un tipo de producto concebido para que el espectador no se interese por nada más y, al final, mucho dinero engrosando las arcas de una de las industrias más poderosas del mundo.

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Intelectuales brasileños califican de “grave retroceso” la supresión del ministerio de Cultura

Tomado de: CubaSi
Los brasileños Caetano Veloso y Gilberto Gil
Los brasileños Caetano Veloso y Gilberto Gil
Artistas e intelectuales brasileños calificaron hoy de “grave retroceso” la eliminación del ministerio de Cultura y pidieron en una carta abierta al presidente interino, Michel Temer, que recupere la cartera, que pasará a depender de la de Educación.

La Asociación Busque Saber y el Grupo de Acción Parlamentar Pro-Música publicaron un manifiesto en el diario O Globo que fue suscrito, entre otros, por Caetano Veloso, Chico Buarque, Carlinhos Brown o Gilberto Gil, que fue ministro de Cultura durante el Gobierno de Luiz Inácio Lula da Silva.

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