La Galería Transeúntes surge en el año 2000. Creada por Sándor González Vilar, ha dedicado gran parte de su existencia a la promoción y al apoyo de artistas autodidactas y no tan conocidos, en espacios expositivos con sedes físicas variadas. De ahí su nombre, «Transeúntes», o lo que es lo mismo: puede estar en cualquier lugar. En esta ocasión, lanzamos una muestra diferente, no en una galería, sino en el inapresable universo virtual, y para ello convocamos a un grupo de artistas -–también amigos– que, a pesar de las distancias y contratiempos, se han mantenido unidos y conectados a lo largo de no pocos años. Eduardo Roca “Choco”, Alexis Leyva Machado “Kcho”, Ernesto Rancaño, Eduardo Abela, Luis Enrique Camejo, Andy Rivero, Jorge Sáenz, Juan Carlos Pérez Balseiro, Enrique Wong y Sándor González, son los protagonistas de esta exposición, que pretende ser una propuesta DESDE el arte, pero no solo PARA el arte, sino para todos cuantos se interesen en la cultura cubana, la que, incluso en tiempos de pandemia, se reinventa, motiva y conecta hasta las distancias más remotas. Claudia González Machado (Lic. Historia del Arte)
La Bienal de La Habana, reconocida entre los eventos más prestigiosos de Latinoamérica, el Caribe, y el mundo, ha hecho visibles no solo el pensamiento y la práctica artística cubanos, sino la creación artística contemporánea del Sur Global y otras regiones del orbe. Desde su surgimiento en 1984, ha sido una plataforma en favor de la justicia y la igualdad. Ha estimulado el trabajo sociocultural, la reflexión teórica y el papel transformador de las artes visuales en un mundo polarizado, segregado culturalmente y dominado por la supremacía del mercado. El evento pretende dar continuidad a sus proyecciones fundacionales teniendo en cuenta las condiciones de un mundo en el que se han intensificado las amenazas nucleares y belicistas, la xenofobia, el racismo, los desplazamientos forzados, las tendencias fascistas, la violencia contra el que es diferente, los conflictos étnico-culturales, la desigualdad, el terrorismo, el uso sistemático de la mentira y una crisis medioambiental que amenaza la supervivencia de la propia especie humana.
Margarita González Lorente, Subdirectora del Centro Wifredo Lam, y Norma Rodríguez Derivet, presidenta del Consejo Nacional de Artes Plásticas,
Esta crisis nos afecta a todos y en particular a los países insulares del Caribe. El culto al consumismo y la promoción de un derroche irresponsable de los recursos naturales del planeta, hacen imprescindible movilizar a amplios sectores en la labor de preservar el equilibrio sociedad – cultura – naturaleza. La ciencia ha entendido la necesidad de enfocar esta cuestión de manera multidisciplinaria y sistémica, y el arte no ha estado ajeno a ello.
Ante la persistencia de los hegemonismos militares, económicos, políticos y culturales, se reconfiguran modelos de existencia en un intento por hacer surgir nuevos proyectos emancipatorios y por dignificar la convivencia entre los seres humanos en medio de tantas contradicciones. Entre ellos, el rescate de formas de vida comunitaria, la lucha por la preservación de la memoria y la validación de otros saberes y sistemas de conocimiento; la búsqueda de mayores correspondencias entre la creación y las prácticas de vida; o de puntos de convergencia, nodos y redes que propongan espacios para futuros modelos de comprensión y solidaridad entre los seres humanos.
La 13ª Bienal de La Habana, a celebrarse del 12 de abril al 12 de mayo del 2019, propone incentivar la interacción entre creadores, curadores, expertos e instituciones, en toda una variedad de procederes que aporten variantes de sostenibilidad, sin alejarse del carácter propositivo que toda obra o proyecto artístico representa. Aspiramos a que el arte señale nuevos caminos de razonamiento colectivo y que sus realizaciones ofrezcan, a partir de la confrontación de diferentes modelos creativos y de circulación, un mayor acercamiento entre públicos, localidades y niveles de experiencia. Junto a la idea de responder al presente, estas prácticas esbozarían posibles nociones de futuro que, al menos en el nivel poético o simbólico, se correspondan con algunas necesidades de transformación social.
¿Puede lo artístico implicar una nueva dimensión social y servir de modelo para el encuentro con nuevas estructuras de sostenibilidad? ¿En qué medida las prácticas emergentes de sobrevivencia, emancipación y desarrollo social inspiran y pueden generar nuevas narrativas y metodologías artísticas? ¿Qué tipo de relaciones podemos establecer entre curadores, artistas, proyectos, grupos y prácticas emergentes, instituciones nacionales e internacionales, o incluso entre diferentes esquemas de circulación del arte?
La próxima edición asume la Bienal como espacio para aquellas tipologías artísticas que entiendan la creación como acontecimiento vivo o experiencia en curso. Nos interesan aquellas estrategias que resulten de múltiples confluencias o propicien la existencia en redes de intercambio más allá de la autonomía estética y la noción tradicional de autoría, con vocación transformadora y de reconocimiento de la diversidad. Asimismo, potenciar la conformación de nuevas relaciones sociales y simbólicas generadas por diferentes modos de interacción con el arte al asumir los enfoques de transversalidad en la perspectiva cultural y multidisciplinar.
Aspiramos a la creación de circuitos entre los cuales se ensayen modalidades de coexistencia y respeto. Bienales internacionales que han permanecido casi ajenas entre sí, encontrarían aquí un diálogo cercano de hermanamiento; artistas y artistas devenidos gestores se evidenciarían como una unidad posible; proyectos de desarrollo e iniciativas que tributan a intereses locales y comunitarios confluirían en un mismo plano. Asimismo, curadores, mediadores de la actividad artística y gestores culturales emergentes, junto a otros ya establecidos, acompañarían estos procesos desde el entendimiento colegiado y marcarían una pauta de diferencia entre los mecanismos habituales de circulación propios de las bienales.
De ese modo la institución, en consonancia con el arte y su permanente ejercicio transformador, mantendría la energía necesaria para contribuir al mejoramiento humano en medio de cualquier complejidad. La Habana acogerá nuevamente su más trascendente evento internacional de las artes visuales y deja abierta, desde ahora, una plataforma de intercambio y análisis de las ideas que habrán de conformarlo.
Equipo de Curadores, 13ª Bienal de La Habana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam
Van Gogh pintó su autorretrato con la oreja vendada.
Vincent van Gogh no se cortó su propia oreja sino que la perdió en una pelea con su colega Paul Gauguin tras una trifulca frente a un burdel, dicen ahora investigadores en Alemania.
Siempre se aceptó que el artista holandés, que sufría de desequilibrio mental, se había auto mutilado con una cuchilla después de una discusión en Arles, en el sur de Francia, en 1888.
Pero un nuevo libro, basado en la investigación policial original, asegura que la oreja de Van Gogh fue rebanada con una espada.
Los autores de la publicación sostienen que la versión oficial contiene demasiadas inconsistencias.
Testimonios
El libro, titulado «En la oreja de Van Gogh: Paul Gauguin y el pacto del silencio», es el producto de 10 años de investigación realizado por los académicos alemanes Hans Kaufmann y Rita Wildegans.
Los autores examinaron los testimonios de los presentes y la correspondencia de ambos artistas, concluyendo que la pelea terminó cuando Gauguin – un maestro esgrimista – cortó la oreja de su amigo.
Aparentemente, Van Gogh luego la envolvió en un pañuelo y se la entregó a una prostituta llamada Raquel.
Kaufman dice que no estaba claro si se trató de un accidente o un acto intencionado de herir a Van Gogh, pero ambos artistas acordaron dar la versión de la auto mutilación a la policía para proteger a Gauguin.
El autor continúa diciendo que la versión tradicional de los eventos está basada en evidencia contradictoria e improbable, y que no hay testimonios independientes.
«El comportamiento de ambos después y varias alusiones hechas por los protagonistas indican que escondían la verdad», dijo Kaufman en una entrevista con el diario francés Le Figaro.
Efecto dramático
En la correspondencia con su hermano Theo, Van Gogh escribió: «Por suerte Gauguin… no está armado con metralletas u otras armas peligrosas».
El corresponsal de la BBC en Berlín, Steve Rosenberg, dice que no todos los expertos aceptan los argumentos del libro.
Muchos prefieren quedarse con la versión tradicional de los hechos.
Cualquiera que sea la verdad, dice Rosenberg, el incidente tuvo un efecto dramático en la vida del genio holandés. Un año y medio después, en 1890, Van Gogh moría después de dispararse un tiro en el pecho.
Para entonces Gauguin se había mudado a Tahití, en el Pacífico Sur, donde produjo la mayoría de sus cuadros famosos.
Goya no es sólo uno de los pintores más importantes de su tiempo. Es también uno de los pensadores más profundos, al mismo nivel que su contemporáneo Goethe, por ejemplo, o que Dostoyevski, cincuenta años después. Para sus primeros biógrafos, a mediados del siglo XIX, era evidente, aun cuando su interpretación del pensamiento de Goya fuera superficial. «Mezclaba ideas con sus colores», escribió Laurent Matheron en 1858. Charles Yriarte incide en el mismo sentido en 1867: «Debajo del pintor está el gran pensador que dejó huellas profundas […] El dibujo se convierte en idioma con el que formular el pensamiento». En cuanto a sus grabados, dice que poseen «el alcance de la más elevada filosofía». [1] Sin embargo, en el siglo siguiente, a la vez que se consolidaba la gloria de Goya como pintor, se adquirió la costumbre de contemplar con cierta condescendencia la aportación filosófica de este autodidacta, cuya mentalidad Ortega y Gasset describía como bastante similar a la de un obrero, y de cuyas cartas decía que eran propias de un ebanista. [2]
Goya dejó un dibujo con la leyenda Pobre y desnuda va la filosofía (GW 1398, fig. 1), que toma de un poema de Petrarca. En el dibujo vemos a una mujer joven, seguramente una campesina, cuya ropa indica su modesta condición. Es cierto que no va desnuda, pero sí descalza. Sujeta un libro abierto en la mano derecha, y otro, cerrado, en la izquierda. Su rostro es juvenil, algo ingenuo, y alza los ojos interrogantes al cielo. ¿Podría pues encarnarse la filosofía en personas sencillas, en gente descalza que nada sabe de estudios universitarios?
Fig. 1. Pobre y desnuda va la filosofía.
Goya rompe con aspectos decisivos de la tradición y anuncia el advenimiento del arte moderno. Por supuesto es ésta una valoración retrospectiva, por no decir anacrónica. Goya no ejerció influencia inmediata en el curso de la pintura en España, y todavía menos en pintores de otros países europeos. Fuera de España sólo empieza a ser conocido a partir de mediados del siglo XIX, décadas después de su muerte. No fue el estruendoso jefe de filas de un movimiento internacional de vanguardia, como Marinetti para el futurismo y Bretón para el surrealismo. Somos nosotros, los que vivimos en el siglo XXI, los que constatamos, cuando echamos un vistazo a la evolución de las artes plásticas en Europa en los últimos doscientos años, que durante ese periodo de la historia se produjo un cambio radical, y que Goya es el artista —no el único, es cierto, pero sí más que cualquier otro— que anticipó los nuevos caminos que se abrían a su arte y dio los primeros pasos en esa dirección.
Pero los cambios de esta envergadura no son, ni podrían ser, meramente formales. Esos cambios radicales no pueden tener su origen sólo en la imaginación de determinados individuos, por más que posean una sensibilidad artística excepcional. Aunque no son consecuencia directa de las profundas transformaciones que sufrió en aquella época la vida social, tienen que ver con ellas. La revolución pictórica que se pone de manifiesto en la obra de Goya forma parte de un movimiento que incluye la importante consolidación de la mentalidad ilustrada, la progresiva secularización de los países europeos, la Revolución francesa y la creciente popularidad de los valores democráticos y liberales. Esta convergencia nada tiene de fortuito. La pintura nunca ha sido un simple juego, un puro divertimento, un elemento decorativo arbitrario. La imagen es pensamiento, tanto como el que se expresa mediante palabras. Siempre es reflexión sobre el mundo y los hombres. Tanto si es consciente de ello como si no, un gran artista es un pensador de primera magnitud. Seguir leyendo GOYA, PENSADOR. TZVETAN TODOROV→
Fundada el 13 de diciembre de 2014 por el artista plástico Sándor González Vilar, en cooperación con el taller del también artista plástico Lázaro Valdez González y la oficina municipal de Cubanacán en la Ciénaga de Zapata. Ubicada en Punta Perdiz, uno de los once puntos de buceo del municipio matancero Ciénaga de Zapata. En su primera etapa cuenta con numerosos jarrones de cerámica esmaltada de 52×61 cm, sumergidos a una profundidad de quince metros (15), a sesenta (60) metros de la costa, y abarca un área sobre el lecho marino de más de veinte (20) metros.
Al mismo tiempo, se exhiben en la galería lienzos realizados bajo el mar por los artistas plásticos Juan Carlos Pérez Balseiro y Sándor González Vilar, acompañados por fotografías submarinas del laureado fotógrafo Daniel G. Perez Hernández, y un mural de 150×300 cm, también realizado bajo el mar y donado por los artistas al centro de buceo.
Como parte de las memorias del proyecto, en estos momentos se realiza un documental sobre el proceso de germinación de la galería, titulado “… de camino al mar”
En la segunda etapa, se invitará a participar a otros artistas, hasta contar con una amplia colección de arte contemporáneo cubano. Todo se realizará bajo la supervisión del propio Sándor y las obras tridimensionales se confeccionarán en el taller de Lázaro Valdés, lo que garantizará la calidad de las mismas y la imprescindible coherencia en la curaduría de la exposición.
Se estrena el documental ‘Michelangelo’, que profundiza en la vida y las obras del artista renacentista.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) fue más que un pintor, escultor, arquitecto y poeta renacentista italiano. Fue además el primer artista al que se le consideró un genio. Por aquel entonces, los artistas entraban en la categoría de artesanos, pero él ascendió posiciones hasta ser calificado de «divino».
El documental Michelangelo, que se estrena en cines este 15 de junio, explora estas particularidades y explica cómo la vida del italiano se refleja en su obra. Su mayor obsesión fue la representación del cuerpo humano (especialmente del desnudo masculino), hasta el punto de que Miguel Ángel acudía a la iglesia del Basílica del Santo Spirito para que le dejaran estudiar los cadáveres y así aprender más de la anatomía y sus formas. Seguir leyendo SIETE CURIOSIDADES SOBRE EL ‘DAVID’ DE MIGUEL ÁNGEL→
Hasta ayer no conocía al pintor Hugo Simberg. Y de pronto tuve ante mis ojos «El ángel herido», su obra más sugestiva, o una de las más. Representa a dos niños llevando en una parihuela a un ángel con la cabeza vendada y un ala rota. El primero de los niños, abriendo el paso, parece ensimismado en el camino; el segundo nos mira gravemente, acaso sin propósito, como si llevar un ángel herido no fuera tan extraño.
Cuál es la historia del momento que captura el cuadro, cómo el ángel se hirió o fue herido, son preguntas que asaltan. Acaso porque conozco un poco el tema no me ha sido difícil imaginar que pudiera tratarse de un ángel de la guarda accidentado mientras cumplía su deber. Viéndole, me pregunto si podría ser el que intentaba socorrer a Lorca o el que trataba de impedir que soltaran la bomba en Hiroshima. Quién sabe si incluso fuera el primero de los ángeles que se me ocurrió, y que no puse en la canción, el que intentó detener la hoja que bajaba hacia el cuello de María Antonieta.
Hugo Simberg nació en Viipuri y vivió entre 1873 y 1917. Viipuri es una ciudad portuaria que primero fue finlandesa, luego sueca, luego rusa, luego otra vez finlandesa y a partir de 1940 ha vuelvo a ser parte de Rusia y lleva por nombre Viborg.
Simberg pintó «El ángel herido en 1903 y en 2006 la obra de arte fue votada como «pintura nacional».
Han sido tantas las preguntas que me he hecho, mirando este cuadro, que no tuve más remedio que reconocer que jamás llegaré a la verdadera historia de aquella herida, de aquel ángel con unas florecitas silvestres en la mano y de aquellos niños que lo llevaban, supongo que a curar. No dudo que esa fuera la intención de Hugo Simberg, cuando lo pintó.
La luna sin espejo de la noche, la noche sin misterios por la luna, entonces me di cuenta, tienes una espalda tan hermosa como un ciervo. Gloria Fuertes
Joaquin Sorolla, 1910. Su mujer Clotilde
Su espalda pierde su nombre con tanta gracia, que no puede uno más que darle la razón; ojalá fuera yo, señora, un poeta de raza, para decir en su honor una oda inmortal. Georges Brassens
Pierre Auguste Renoir
Muerdo la última fruta de tu espalda
y la magia se repite.
El fallecimiento y la extraordinaria actitud de un joven artista mexicano muy querido por nuestra familia, particularmente por mis hijos y sus amigos más cercanos, motivan la reproducción de esta nota, aparecida originalmente en un periódico potosino. Fue una persona realmente excepcional que sabía hacer cualquier cosa, y la que no sabía o no podía la inventaba con tal de ser generoso. Quería a Cuba y la vivía en sus costados más humildes y solidarios, allí donde la gente lo comparte todo. Prefería la sencillez y le bastaba un trozo de alambrón y un pedazo de madera para hacer una escultura. Ahora mismo, mi hijo le está sembrando flores en el fondo del mar, en la pieza que exhibe en la Galería Transeúntes, allá en Punta Perdiz, Ciénaga de Zapata, y mi hija encuentra en Facebook el origen de este comentario. En una época y un mundo donde hasta los ausentes son egoístas, conmueve un gesto como el del Güey. Te debemos un almuerzo y un abrazo cuando vuelvas. (OG)
Riñones y corneas se trasplantaran a pacientes potosinos, el hígado se llevará a la Ciudad de México
San Luis Potosí, SLP.- De manera extraordinaria la mañana del martes en el Hospital General de Ciudad Valles se realizó un explante multiorgánico para que sean destinados a cuatro personas que tendrán una nueva oportunidad de vida.
Un hombre de 35 años, previamente informó a sus familiares la decisión de donar sus órganos; ante el lamentable fallecimiento las primeras horas del martes, personal del Centro Estatal de Trasplantes se trasladó al lugar municipio para poder realizar el explante de riñones, corneas e hígado, y que sean trasplantados a las personas idóneas lo más rápido posible.
Ésta es la primera donación multiorgánica en años en el municipio de Ciudad Valles, ya que por las condiciones en infraestructura hospitalaria, así como la ideología de los valleneses, no se ha podido difundir la cultura de donación de órganos que permite “la vida después de la vida”, por ello, este hecho es muy importante para el Hospital General de Valles.
El traslado se realizó por vía área, ya que es indispensable la premura en estos procedimientos quirúrgicos, en el caso de riñones y corneas, Servicios de Salud coadyuvó con el traslado, y el hígado que fue llevado por el Instituto Nacional de Ciencias Médicas y de Nutrición Salvador Zubirán para que se realice el trasplante, fue la Procuraduría General de la República la que prestó un helicóptero para salir de Ciudad Valles directo a la Ciudad de México.
Se prevé que en unas horas los riñones en donación, así como las corneas lleguen al Hospital Central Ignacio Morones Prieto, para ser hoy mismo trasplantados a las personas que así lo necesiten, mientras que el hígado seguirá el mismo proceso a la Ciudad de México, dado que en San Luis Potosí no se cuenta con la tecnología para realizar la cirugía.
Robert Capa (Budapest, 1913 – Thai Binh, Vietnam, 1954), pseudónimo de André Ernö Friedmann, es reconocido muy tempranamente en su carrera como el mejor fotógrafo de guerra del mundo, tal como pone de manifiesto el artículo de la revista Picture Post (núm. 10, 3 diciembre 1938) con motivo de la publicación de uno de los más sobresalientes reportajes fotográficos sobre la Guerra Civil española. Su activismo político en su juventud deviene compromiso al comprobar el enrarecimiento de las políticas culturales, sociales y económicas tanto en su país, como en Alemania, país donde se instala en 1931 y del que se marcha dos años después. Su condición de judío y su afinidad ideológica con el Partido Comunista y con las tendencias anarquistas, le impulsan a convertirse en un exiliado voluntario y a poner su incipiente oficio de reportero al servicio de la lucha antifascista. (…) Seguir leyendo ROBERT CAPA, EL FOTÓGRAFO DE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA (1936-1939)→
A la espera de un texto que me he propuesto escribir sobre Lescay y su relevante obra como escultor, dibujante, pintor, grabador y ceramista, reproduzco algunas de las opiniones que aparecen en su Sitio Web (http://www.albertolescay.com/albertolescaycritica.htm), todas las cuales proceden de amigos comunes, en su mayoría importantes intelectuales cubanos. OG
Alberto Lescay Merencio (1950) nació, vive y trabaja en Santiago de Cuba.
RÁFAGA EN ESPLENDOR «El torbellino nos envuelve y transporta, nos conduce con una fuerza animal, nos proporciona un sacudimiento telúrico los volúmenes y el color en las obras de Alberto Lescay son una síntesis de la vida cubana. Es la violencia y la borrasca, los granates incendiados quienes proclaman la cólera y los turquíes serenos nos hablan de la prudencia. Aquí hay ondulaciones de la forma que nos entregan una sensualidad irreverente, remolinos ardientes junto a nieblas opacas que nos revelan las fases de la historia nacional. Las púas y cuernos acoplados a plumas y arcos funcionan como catalizadores del carácter. Nunca antes los clamores del bermellón sirvieron mejor para ilustrar el ímpetu delirante, el brío, la seducción perenne de la batalla, ni las cascadas de índigo fueron impulsadas por estas fugas rabiosas, conducentes a un destino de aristas conquistadas. El entrecruzamiento veloz del cobre con el añil nos arrastra hacia una aventura tentadora y nos impulsa al fervor. ¿Y qué decir de ese Antonio Maceo rodeado de insurrectos machetes enhiestos – un Maceo en plenitud de combate invocando el sostén de su pueblo -, o qué hablar de la nobleza lírica de un Martí sosegado, o de ese grito en bronce que es el Cimarrón? Son capítulos de la vida de una nación coagulados para la perennidad. La celeridad, el aliento presuroso de nuestro ritmo vital ya lo había expresado Carlos Enríquez y los arcanos de nuestras enérgicas raíces quedaron plasmados por Lam. En Lescay se unen ambos valores y toman una nueva dimensión la cepa permanente y el instante fugaz. En estas telas Cuba es una ráfaga incesante, un ímpetu espléndido y apasionado.» Lisandro Otero, 2003. Novelista y periodista cubano fallecido en 2008.
Premio Nacional de Periodismo de México, 1998
Premio Nacional de Literatura de Cuba, 2002.
Miembro de la Real Academia Española y de la
Academia Norteamericana de la Lengua Española.
«Asistimos a la profundidad, a la actualización estremecida por mirarnos en estos dibujos, en los verdes y leves azules en que parece erguirse el humus antillano y se escucha la intensidad del rocío. Siguiendo esta escala, observamos que no hacen gran suma los jóvenes pintores cubanos dadores de ejemplos en la utilización del rojo. No obstante, con el tono de la sangre, Alberto desgarra el día, hiere la sicología de los rostros y ofrece símbolos que desintegran y rehacen el mundo. En Sacrificio el cielo trastocado en púrpura semioscura, amenaza en los fondos mientras grises interpuestos vigilan las diagonales, sacrificadas en aras de un montaje en que el silencio añora pronunciarse. Algo similar se aprecia si nos detenemos en El palomar, La gran caída y Fuego del silencio; ellos y otros, con sus güijes, tambores y templos del vudú, implican en la poética del color, metáforas abarcadoras del mar, la flora, el aire y la fauna.» Marino Wilson Jay, 1989.
Poeta. Preside la Asociación de Escritores en Santiago de Cuba.
Entre sus últimos libros publicados están Peligro: aquí se habla de poesía (ensayo) y los poemarios El libro terrible y Poesía funesta.
«Uno no se explica cómo Lescay es, paralelamente, escultor y pintor. No se lo explica (aclaremos) a primera vista, luego vamos descubriendo en los lienzos cierta idea de dimensiones infinitas, de lejanías que constituyen la imposibilidad del que trabaja los volúmenes. Entonces caemos en la cuenta de que lo visto es una verdad complementaria de aquel otro que el bronce (uno de sus más recurrentes materiales) y las raíces, las hélices, el alambrón no alcanzan a concretar.» Alejandro Querejeta, 1986.
Periodista, poeta y narrador.
Reside en Quito, Ecuador.
«Estos lienzos, cartulinas y esculturas tienen de leyenda, en sus colores y en sus formas, se asoman al sueño del artista. Ya una vez escribí que no sabía a cuál Lescay prefería, sí al escultor o al pintor. Ahora puedo contestarme a mí mismo: a los dos. Lescay ha logrado, a golpe de talento y de trabajo, convertir su obra maravillosa en una imagen y en un idioma. Usted va a un lugar y ve una pieza y puede decir: ese cuadro es de Lescay. Porque ha descubierto un lenguaje pictórico tan personal como colectivo. Ahí está la esencia del arte, ser y multiplicarse. Tener ese don no es fácil, porque a veces se acerca a lo genial.»
«Ahora Alberto Lescay nos regala su Mackandal, en éstos óleos líricos y musicales, donde la pintura parece que danza. Un Mackandal de color y de fuego. De ira y de ternura. De combate y de amor. De agua y de tierra. De sueño y de vigilia. De muerte y de resurrección real. Un Mackandal que se multiplica en cada pieza, ahora buey o caballo, culebra o tronco de árbol, hasta paloma si hace falta, cimarrón al fin. Siento en estos cuadros el perfume de las flores africanas y un tambor del Vodú, que desesperado, nos llama. He aquí a Mackandal incorporado ya para siempre a la plástica nacional y antillana. He aquí rota entonces la frontera entre la pintura y la poesía. He aquí rota también la frontera entre la pintura y la música. He aquí rota además la frontera entre la pintura y la danza. Son estos cuadros la poesía que se escapa, la música del aire y la danza del corazón.» Jesús Cos Cause, 1998.
Poeta e investigador de la Casa del Caribe fallecido en 2007.
Fue Coordinador del Taller Internacional de Poesía que auspicia esta institución.
«Se ha señalado la relación de la obra de Lescay con manifestaciones mágico-religiosas del área del Caribe -esencialmente el vudú-, así como la carga erótica que perméa su figuración; sin embargo, ni este pintor es un devoto del vudú, ni un artista de lo erótico, y ambas visiones parecen servir de vehículo a una tercera inquietud. En Lescay, la reiteración el tema del vuelo es totalmente consciente y, a mi modo de ver, posee valor metafórico.»Seguir leyendo ALBERTO LESCAY: COMENTARIOS ACERCA DE SU OBRA→
No es un milagro ni una realidad fortuita, y tampoco viene exactamente de donde parece. Allá los que no ven, los que, de tanto querer olvidarle, nos lo recuerdan siempre.
A pesar del bullicio, medita. Siempre medita. Quienes lo juzgan a primera vista, se equivocan: lo pueblan de etiquetas, lo encasillan, tratan de acomodarlo en un molde demasiado pequeño. Su vida es un viaje permanente a la semilla, y su patria la humanidad en pleno. Ahora viene en silencio por la calle Sol, en la reverberante Habana Vieja. Observa con atención el rostro, la figura y la sombra de los transeúntes, se detiene en los recodos de luz y se estremece ante las congojas y holguras del alma, del alma ajena y del alma propia. Lo registra todo. A su lado, una mujer pasa contoneándose y un vendedor ambulante la convierte en metáfora. Hay picardía en sus ojos, hay también inocencia. Ya los retrató.
Mientras camina, pareciera que no toca el suelo; como si levitara, pero afincado en un firme de nubes. Mueve los brazos tímida y acompasadamente, con elegancia y a la vez con misterio, sin gestos obvios que delaten sus verdaderos sentimientos. Son los ademanes secretos que recorren su obra. Porque él es también un enigma, y lo que hace está marcado por la armonía contradictoria no sólo de su vida, sino de todas las vidas posibles.
Mira siempre en lontananza, aunque tenga el horizonte al alcance de sus manos. (Vaya manera de ocultar la tristeza.) Es alegre y tiene una risa abierta, pero su silencio semeja un abismo que no termina nunca. Piensa cada palabra que dirá, entre otras razones porque la vida lo enseñó a no equivocarse y porque cultiva la rara virtud de la decencia, de no ofender a quien se quiere, de no hablar mal de los amigos. Él es un caballero.
Bajo el radiante sol de un día caluroso, que presagiaba más la llegada del verano que del suave y casi inexistente invierno que nos recorre, llegó Michelangelo Pistoletto a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro. Seguir leyendo MICHELANGELO PISTOLETTO: «CUBA HA DE CAMBIAR AL MUNDO»→
Uno de los más grandes representantes del movimiento Povera, Michelangelo Pistoletto, expondrá por vez primera en el Museo Nacional de Bellas Artes. A pocas horas de su llegada a Cuba, ofreció declaraciones exclusivas para JR
Pistoletto junto a una de las piezas realizadas a partir de fotografías tomadas a cubanos en las calles y otros espacios públicos. Foto: Roberto Ruiz
En 1971, a poco tiempo de la disolución de The Beatles, Tariq Alí y Robin Blackburn sostuvieron con John Lennon y Yoko Ono una larga y abierta conversación. Incluida en Street Fighting Years, libro que Tariq Alí publicara en 2005 en la editorial Verso, la entrevista apareció en un par de publicaciones en aquellos principios de la década de los años setenta, aunque pasó algo desapercibida, pese a ser mucho más interesante que la bien conocida e interminable serie de preguntas y respuestas que le hiciera Jann Wenner para Rolling Stone. Alí y Blackburn permitieron que Lennon se explayara y lo provocaron y animaron cuando éste daba muestras de dejadez o cansancio. Entre otras cosas, Lennon cuenta que George Harrison y él se brincaron las trancas y hablaron en público contra la Guerra de Vietnam; discute la lucha de clases de un modo envolvente, defiende la música rural y el blues, sugiere que las mejores canciones de Dylan son herederas de las baladas revolucionarias irlandesas y escocesas y disecciona sus tres versiones de “Revolution”.
Alí: Tu más reciente disco [John Lennon-Plastic Ono Band] y tus más recientes declaraciones públicas, especialmente las entrevistas en Rolling Stone, sugieren que tus puntos de vista se han vuelto más y más radicales y políticos. ¿Cuándo comenzó a ocurrir esto?
Lennon: Siempre he sido propenso a lo político, ¿sabes?, y estoy contra el statu quo. Es lo básico cuando creces, como yo, odiando y temiendo a la policía como un enemigo natural y desprecias al ejército como un ente que se lleva lejos a tantos –y los abandona, muertos, en alguna parte. Es decir, es lo básico para la clase trabajadora, pero comienza a deslavarse cuando creces, te haces de familia y te ves tragado por el sistema. En mi caso nunca he dejado de tener mentalidad política, aunque la religión tendió a encubrírmela durante mis días de pasón con ácido, en 1965 o 1966. Y esa religiosidad era el resultado directo de toda la mierda de ser superestrellas; era una salida a mi propia represión. Pensaba: debe haber algo más en la vida, ¿no? Esto no es todo, ¿verdad? Seguir leyendo LA ENTREVISTA PERDIDA CON JOHN LENNON Y YOKO ONO→
Con mucho cariño atesora su primer cuadro pintado a 6 metros bajo el mar. Fue un fracaso pictórico, me dijo, y hacerlo con dos buzos sosteniendo cada extremo del lienzo cual caballete improvisado tampoco le trajo buenos resultados. Pero fue así como el licenciado en Química y artista de la plástica Sandor González se atrevió por primera vez a echar a andar su obra submarina.
“Siempre me gustó experimentar y la química me pareció genial para eso cuando era joven, no veía el arte como una forma de vida. Al final, dejé de ejercerla y estudié grabado en la Escuela de Artes Plásticas San Alejandro, pues eso era lo único que no podía aprender en mi casa por los recursos que se necesita para eso. Luego me percaté de que la química sirve para todo en la vida, y en especial en el arte, cuando vas a mezclar los colores, por ejemplo”.
William Hogarth. El tiempo ahumando una pintura, 1761
William Hogarth lo vio con claridad en El tiempo ahumando una pintura (1761), un aguafuerte a la manera negra. Aquí se pone de manifiesto la importancia de los materiales para que las obras duren, pues el tiempo impone, desgasta y destroza. Lo dijo Goya: El tiempo también pinta, y pese a la vocación de perennidad de la mayor parte de las obras de arte de la historia, es inevitable que el transcurrir de los años imprima un sello a todas ellas.
Como sabéis, en aquel s XVIII creció con fuerza el coleccionismo y el mercado del arte se volvió muy activo, sobre todo en Inglaterra y tras los hallazgos arqueológicos que llevaron a un aumento de las falsificaciones, que entonces trataban de simular el efecto del paso del tiempo sobre una pieza nueva para que parezca antigua. Este aguafuerte de Hogarth representa a Cronos sobre varias ruinas escultóricas ahumando un cuadro e hincando una guadaña atravesando el lienzo. El pintor criticaba así a los falsificadores, tema que fue objeto de reflexión amplia en el 1700 (ya en el s XIX se desarrollaría la poética de las ruinas). Seguir leyendo El tiempo también pinta→
La imagen hallada mide unos 15 centímetros. Ministerio de Cultura de Perú
Por lo pronto ofrecen más preguntas que respuestas. El hallazgo de unas pinturas rupestres inéditas en las proximidades de la ciudadela de Machu Picchu significa un nuevo desafío para los arqueólogos del Ministerio de Cultura de Perú.
Las pinturas fueron descubiertas hace un par de meses por el equipo multidisciplinario de investigaciones que trabaja en el lugar en búsqueda de nuevos elementos que permitan entender más sobre la ciudadela inca erigida a 2.400 metros sobre el nivel del mar. Seguir leyendo Perú: el misterio de las pinturas negras descubiertas en Machu Picchu→
Jerry Saltz
Goya no es sólo uno de los pintores más importantes de su tiempo. Es también uno de los pensadores más profundos, al mismo nivel que su contemporáneo Goethe, por ejemplo, o que Dostoyevski, cincuenta años después. Para sus primeros biógrafos, a mediados del siglo XIX, era evidente, aun cuando su interpretación del pensamiento de Goya fuera superficial. «Mezclaba ideas con sus colores», escribió Laurent Matheron en 1858. Charles Yriarte incide en el mismo sentido en 1867: «Debajo del pintor está el gran pensador que dejó huellas profundas […] El dibujo se convierte en idioma con el que formular el pensamiento». En cuanto a sus grabados, dice que poseen «el alcance de la más elevada filosofía». [1] Sin embargo, en el siglo siguiente, a la vez que se consolidaba la gloria de Goya como pintor, se adquirió la costumbre de contemplar con cierta condescendencia la aportación filosófica de este autodidacta, cuya mentalidad Ortega y Gasset describía como bastante similar a la de un obrero, y de cuyas cartas decía que eran propias de un ebanista. [2]
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EL CIERVO HERIDO, un blog de Omar González 
